Exceptionnelle laque sur fond d’or représentant deux félins par André Margat.
André Margat est un artiste français, largement connu pour ses représentations animalières. Il appartient notamment au “Groupe des Douze”, une association d’artistes créée en 1932 dont le but est de présenter l’art animalier français lors d’expositions et de chaque année mettre à l’honneur un artiste.
Cette œuvre est réalisée en laque peinte sur fond or, une technique complexe qui marque la virtuosité de l’artiste. Par ailleurs, cette œuvre témoigne d’un travail poussé d’observation de la nature. L’artiste parvient à retranscrire les comportements des félins avec une grande justesse et apporte un sentiment de mouvement et de dynamisme témoignant d’une étude anatomique et comportementale aboutie.
Les félins sont dépeints dans un fond rocailleux simple qui permet d’inscrire les animaux dans une spatialité définie. Le ciel doré vient apporter de la lumière, mais aussi permet au spectateur de se concentrer sur l’essence même du tableau, les félins.
Le tableau est signé et daté de 1942 en bas à droite, et est accompagné d’un cadre en placage d'ébène de Macassar.
Dimensions : 50 x 100 cm (cadre : 80 x 130 cm)
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Exceptional lacquer on a gold background depicting two felines by André Margat.
André Margat is a French artist widely known for his representations of animals. He is a member of the 'Groupe des Douze,' an association of artists created in 1932 with the aim of presenting French animal art in exhibitions and honoring an artist each year.
This artwork is created using painted lacquer on a gold background, a complex technique that showcases the artist's virtuosity. Additionally, this piece reflects a detailed observation of nature. The artist skillfully captures the behaviors of the felines with great accuracy, bringing a sense of movement and dynamism that attests to a thorough anatomical and behavioral study.
The felines are depicted against a simple rocky background, providing a defined spatial context. The golden sky adds light and allows the viewer to focus on the essence of the painting—the felines. The artwork is signed and dated 1942 at the bottom right and comes with a Macassar ebony veneer frame.
Dimensions: 50 x 100 cm (frame: 80 x 130 cm).
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Fabuleux projet de couverture de théâtre par Serge Tchekhonine Serge Tchekhonine est un artiste russe qui a suivi à Saint-Pétersbourg des cours de dessins appliqués, de céramique et de poterie. Serge Tchekhonine s’installe en France en 1928. On le remarque pour ses céramiques d’une grande finesse, puisqu’il avait dirigé la manufacture d'État de Petrograd, mais aussi pour ses portraits et miniatures. “Son œuvre est d’une variété extrême. Il rappelle ces artistes de la Renaissance qui abordaient avec la même maîtrise et la même perfection les domaines les plus divers de l’art” rapporte le journal quotidien l’Homme Libre, le 11 juin 1929 à l’occasion de son exposition personnelle. En France, il travaille avec des bijoutiers, des peintres et s’associe avec des Théâtres dont il réalise des projets de costumes et des affiches. Cette œuvre est un projet de couverture pour les Ballets Russes de Vera Nemtchinova pour le Théâtre des Champs-Elysées en 1930. L’artiste fait partie de ces Russes installés à Paris dans les années 1930, à l’image de Léon Bakst. On remarque toute l’influence des avant-gardes russes, dans le traitement des corps simplifiés, géométrisés, et dans le sens inouï du mouvement et du dynamisme. Par ailleurs, son œuvre est très décorative, colorée et rappelle l’art du collage. C’est un dessin à l’encre brune, avec des rehauts d’aquarelle et de gouache sur papier. L'œuvre est signée en bas à gauche. Fourni avec un certificat d’authenticité. Dimensions (à vue) : 38.5 x 28 cm (avec cadre) : 57 x 46 cm ------------------------------------------------- Fabulous theater cover project by Serge Tchekhonine. Serge Tchekhonine was a Russian artist who studied applied drawing, ceramics, and pottery in St. Petersburg. He settled in France in 1928, gaining attention for his finely crafted ceramics, having previously directed the State Manufacture of Petrograd, as well as for his portraits and miniatures. 'His work is extremely varied. It recalls those Renaissance artists who approached the most diverse domains of art with the same mastery and perfection,' reported the daily newspaper L’Homme Libre on June 11, 1929, during his solo exhibition. In France, Tchekhonine collaborated with jewelers, painters, and theaters, creating costume designs and posters. This artwork is a cover project for the Ballets Russes of Vera Nemtchinova at the Théâtre des Champs-Elysées in 1930. The artist is part of the Russian community in Paris in the 1930s, reminiscent of Léon Bakst. The influence of Russian avant-gardes is evident in the treatment of simplified, geometric bodies and the incredible sense of movement and dynamism. Furthermore, his work is highly decorative, colorful, and reminiscent of collage art. It is a drawing in brown ink, with highlights in watercolor and gouache on paper. The artwork is signed at the bottom left and comes with a certificate of authenticity. Dimensions (sight size): 38.5 x 28 cm (with frame): 57 x 46 cm. -
Fabuleux dessin de méharistes sur des dromadaires par Paul Jouve. Paul Jouve est un illustrateur et sculpteur français, passionné depuis son plus jeune âge par les animaux, qu’il découvre au Muséum et dans les zoos parisiens. Il est le plus célèbre peintre animalier de la période Art Déco. En 1931, Paul Jouve embarque pour l’Afrique depuis Bordeaux. Il se rend à Dakar, et entreprend un périple à partir du Sénégal vers le Soudan, le Niger et le Dahomey. C’est durant ce voyage qu’il réalise de nombreux dessins et peintures de méharistes et Touaregs. Notre dessin est issu de ce voyage, comme l’huile sur carton représentant un Méhari du Niger également proposée dans notre galerie. Ces dessins de voyage permettent à l’artiste d’étudier de nouveaux animaux et de représenter les peuples qu’il découvre. Une fois rentré en France, il réalise de nombreuses lithographies et compositions issues de ses notes et croquis de voyage. Les peintures et dessins originaux de Paul Jouve sont rares et très recherchés. L’œuvre a été réalisée sur papier grâce à différentes techniques à la fois sèches, le crayon et humides, l’encre de chine et la gouache marquant la virtuosité technique de l’artiste. Cette œuvre est vendue avec un certificat d'authenticité par Dominique Suisse. Dimensions : H. 30cm L. 22.5cm Pour en apprendre un peu plus sur l'artiste, cliquez ici
Fabulous drawing of Méharistes on dromedaries by Paul Jouve. Paul Jouve was a French illustrator and sculptor, captivated by animals from a young age, exploring them at the Museum and Parisian zoos. He is the most renowned animal painter of the Art Deco period. In 1931, Paul Jouve set off for Africa from Bordeaux, reaching Dakar and embarking on a journey from Senegal to Sudan, Niger, and Dahomey. It was during this expedition that he created numerous drawings and paintings of Méharistes and Tuaregs. Our drawing originates from this voyage, much like the oil on cardboard depicting a Niger Méhari, also featured in our gallery. These travel drawings allowed the artist to study new animals and represent the peoples he encountered. Upon returning to France, he produced numerous lithographs and compositions based on his travel notes and sketches. Original paintings and drawings by Paul Jouve are rare and highly sought after. The artwork was created on paper using various techniques, both dry, such as pencil, and wet, such as India ink and gouache, showcasing the artist's technical virtuosity. This artwork is sold with a certificate of authenticity by Dominique Suisse. Dimensions : H. 30cm L. 22.5cm Height: 11.811 inches Width: 8.858 inches For more informations about the artist, please click here -
LAFUGIE Léa (1890-1972), Portrait d’une jeune Cambodgienne, huile sur panneau, 33 x 23,5 cm Léa Lafugie est une peintre française née à Paris, connue pour ses portraits et paysages issus de ses voyages. Elle étudie à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris, puis à l’Académie des Beaux-Arts et commence sa carrière en exposant au Salon des Artistes Indépendants. Passionnée depuis son plus jeune âge par les récits de voyages et d’aventures,elle décide de partir dès 1924 en Afrique du Nord, puis en 1925 en Asie. Elle séjourne en Inde, en Birmanie, au Tibet, puis dans la péninsule indochinoise et en extrême Orient. Durant ces voyages, elle ne cesse de peindre et de représenter ce qu’elle découvre et les personnes qu’elle rencontre. Ce portrait a été réalisé lors d’un voyage au Cambodge, il représente une jeune fille concentrée sur son ouvrage. De ce portrait émane une grande douceur et sérénité. C’est une huile sur panneau de bois qui provient de la célèbre collection Jean-Paul Gérard-Pau, signée en bas à gauche. Datation : entre 1925-1930, dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie. Dimensions : 33 x 23.5 cm ---------------------------------------------------------------------------------------- Splendid Portrait of a Young Cambodian Girl, by Léa LAFUGIE (1890-1972),oil on panel, 33 x 23.5 cm Léa Lafugie was a French painter born in Paris, known for her portraits and landscapes inspired by her travels. She studied at the National School of Decorative Arts in Paris and later at the Academy of Fine Arts, beginning her career by exhibiting at the Salon des Artistes Indépendants. Passionate about travel and adventure from a young age, she decided to embark on a journey in 1924 to North Africa and then in 1925 to Asia. She stayed in India, Burma, Tibet, the Indochinese peninsula, and the Far East. Throughout these travels, she continued to paint the sights and people she encountered. This oil painting on a wooden panel was painted during a journey to Cambodia. It depicts a young girl focused on her work. In this portrait, we can perceive a profound sense of kindness and tranquility. Dimensions : 33 x 23.5 cm / 13 x 9.25 inches Dating: between 1925-1930, the period when Léa Lafugie traveled to Asia. This artwork comes from the renowned collection of Jean-Paul Gérard-Pau. Signed Lafugie. -
Ce tableau nommé Nina, présente dans un intérieur une jeune femme posant. L’artiste réalise ici, une de ses spécialités, qui lui a valu les louanges des critiques, un nu féminin. Ce tableau démontre la virtuosité de l’artiste dans l’art du raccourci déjà souligné par ses contemporains, mais aussi son étude approfondie de la représentation des corps. Cette scène est caractéristique du travail de Yasushi Tanaka. On y retrouve les influences des grands classiques de l’art occidental qu’il connaît bien, mais aussi une atmosphère orientalisante. Ce goût pour l’Orient est marqué par le paravent en arrière-plan et par la richesse des tissus et drapés colorés éminemment décoratifs. Le cadrage de la scène est resserré, le fond est obstrué par le paravent qui empêche une ouverture de l'arrière-plan et confère à la scène un caractère intime et personnel. Nina vient poser son regard sur le nôtre, ce qui apporte un lien privilégié avec le spectateur. Cette œuvre a été réalisée en 1928, et elle a été présentée au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts entre le 28 avril et le 10 juin 1928. Ce tableau présente quelques craquelures, mais est dans un bon état général. C’est une huile sur toile d’origine, elle est signée en bas à droite et est titrée au dos. Dimensions : 97 x 130 cm Bibliographie : L’art et les artistes, Revue d’art de France et de l’Etranger, 1921, Novembre, (numéro 21), L’exposition Tanaka au Salon d’Automne Pour plus d'informations sur l'artiste, cliquez ici
The painting titled "Nina" depicts a young woman posing in an interior. In this work, the artist shows his specialty, a female nude, for which he received critical acclaim. The painting demonstrates the artist's virtuosity in the art of foreshortening, as praised by his contemporaries. This scene is characteristic of Yasushi Tanaka's work, featuring influences from Western art classics that he was familiar with, as well as an oriental atmosphere. The preference for the East is evident in the screen and the richness of the highly decorative fabrics and drapes. The scene is tightly framed, with the background closed by the screen giving the scene an intimate and personal character. Nina watches directly the viewer, creating a privileged connection with him. This artwork dates back 1928, it was displayed at the National Salon between 28th of April and 10th of June 1928. The painting shows some craquelure but is in overall good condition. It is an oil on the original canvas, signed at the bottom left, and titled on the back. Dimensions : 97 x 130 cm / 38 x 51.19 inches Bibliography: L'art et les artistes, Revue d'art de France et de l'étranger, 1921, November, (issue 21), The Tanaka Exhibition at the Salon d'Automne For more informations about the artist, please click here -
Pendule éternelle de table en métal chromé. La pendule repose sur un socle en métal chromé, et dispose également d’un boîtier vitré en bois. Le cadran est évidé au centre avec un mécanisme apparent, le cercle est argenté avec des chiffres arabes dits “Art Déco”. Porte la mention “Fabriqué en Suisse”. Signé sur la base “Jaeger-LeCoultre” et “Atmos Brevets Reutter”. Jaeger-Lecoultre est une prestigieuse manufacture Suisse de montres, horloges et pendules de luxe. L’atelier a été créé en 1833 par Antoine Lecoultre dans la Vallée de Joux en Suisse. Puis, en 1903, Jacques-David LeCoultre rencontre Edmond Jaeger, un célèbre horloger parisien avec lequel il crée la marque Jaeger-LeCoultre. La pendule Atmos a été inventée en 1928 par Jean-Léon Reutter, et commercialisée par Jaeger-LeCoultre dès 1930. Les variations de température créent la contraction et la dilatation de gaz contenus dans une capsule. Les variations de température sont transformées en énergie mécanique qui actionnent le mécanisme. Un seul degré de variation permet de recharger la pendule pendant 48 heures. Cette révolution technique permet à l’Atmos de fonctionner sans énergie électrique, ni même remontage, c’est donc une pendule éternelle. Cette pendule incarne depuis le 20e siècle le symbole de la précision suisse et de l’élégance à la française. Elle est par ailleurs surnommée “La pendule des Présidents”, car dès qu’une personnalité importante visitait la Suisse, on lui offrait une pendule Atmos. Par exemple, la Reine d’Angleterre, Winston Churchill , Charles de Gaulle ou encore John F. Kennedy possédaient une Atmos. La pendule a été révisée par un horloger professionnel, elle présente quelques éclats sur le boîtier (voir photographies) Hauteur : 23.5cm Largeur : 19 cm Profondeur : 14 cm Source : Jaeger-LeCoultre.com ---------------------------------------------------------------------------- Exceptional Atmos Table Clock by Jaeger-Lecoultre, circa 1940, Switzerland Eternal table clock in chrome metal. The clock sits on a chrome metal base, covered by a wooden cube. The dial is hollow in the center with an exposed mechanism, and the circle is silver with Art Deco-style Arabic numerals. It bears the inscription 'Made in Switzerland.' Signed on the base as 'Jaeger-LeCoultre' and 'Atmos Brevets Reutter'. Jaeger-LeCoultre is a Swiss luxury watch, clock, and timepiece manufacturer. The workshop was founded in 1833 by Antoine LeCoultre in the Vallée de Joux, Switzerland. Then, in 1903, Jacques-David LeCoultre met Edmond Jaeger, a renowned Parisian watchmaker, with whom he established the Jaeger-LeCoultre brand in 1937. The Atmos clock was invented in 1928 by Jean-Léon Reutter and was produced by Jaeger-LeCoultre from 1930. Temperature variations cause the contraction and expansion of gasses within a capsule. These temperature changes are converted into mechanical energy, which powers the clock's mechanism. A mere one-degree temperature change is sufficient to power the clock for 48 hours. This technical innovation allows the Atmos clock to operate without the need for electrical power or winding, making it an everlasting timepiece. Since the 20th century, this clock has symbolized Swiss precision and French elegance. It is also affectionately known as the "Clock of Presidents" because whenever a prominent figure visited Switzerland, they were presented with an Atmos clock. For example, the Queen of England, Winston Churchill, Charles de Gaulle, and even John F. Kennedy owned an Atmos clock. The clock has been serviced by a professional watchmaker, it is in very good condition, with signs of wear consistent with its age, a few chips on the wooden cube (see photographs). Source : Jaeger-LeCoultre.com -
KLASEN Peter (né en 1935), “Expérience I”, 1972, acrylique sur carton, signé, daté, titré au dos. Exceptionnelle peinture réalisée par Peter Klasen en 1972. Peter Klasen est un artiste allemand, installé à Paris en 1959 rejoignant l’avant-garde internationale parisienne et fuyant cette Allemagne déchirée et ruinée d’après-guerre. Il fait partie de ces artistes des années 1960 qui renouvellent la peinture figurative en opposition à l’abstraction. Ses œuvres, reconnaissables par un usage de l’aérographe, sont composées de corps, souvent féminins, mêlés à des objets sanitaires, machiniques, utilitaires. Ses œuvres traitent de sa vision d’une société transformée par la modernité, des conflits de la vie moderne, des villes traumatisantes, aliénantes. Cette œuvre est exceptionnelle car c’est une œuvre de la meilleure et plus intéressante période de l’artiste (années 1960-1970). Les œuvres de cette période sont caractérisées par un usage du gris, blanc et noir ; elles sont les plus recherchées. L’œuvre est vendue avec un certificat délivré par l’artiste le 14 septembre 1982. Elle est signée, datée et titrée au dos et provient de la prestigieuse collection Jean-Pierre et Martine Nuand. H : 105 cm L : 75 cm Biographie : LASCAULT, Peter Klasen, Ides et Calendes, Neuchâtel, 2005 LE THOREL, Peter Klasen et la photographie : l'investigation du réel, Actes Sud, Arles, 2010 TILMAN, Peter Klasen, éd. Galilée, Paris, 1979 ---------------------------------------------------------------- Stunning painting by Peter Klasen (born in 1935), “Expérience I”, 1972, Acrylic on cardboard. Peter Klasen is a German artist settled in Paris in 1959. He joined the international Avant-Garde in Paris, fleeing post-war defeated and divided Germany. He is among the artists who renew figurative painting in opposition to abstraction. His paintings are recognizable by the use of an airbrush. His artworks are representing female bodies intertwined with sanitary, machinist and utilitarian objects. He depicts his vision of a society changed by modernity, the conflicts of this modern life, and the traumatizing cities. This painting belongs to his most sought after production period (1960-1970’s). His works from this period are characterized by the use of black, gray and white. The artwork is sold with a certificate written by the artist on the 14th of September 1982, and comes from the famous Jean-Pierre and Martine Nuand collection. It is signed, titled and dated on the back. H : 105 cm/41.34 inches L : 75 cm/29.53 inches Biography : LASCAULT, Peter Klasen, Ides et Calendes, Neuchâtel, 2005 LE THOREL, Peter Klasen et la photographie : l'investigation du réel, Actes Sud, Arles, 2010 TILMAN, Peter Klasen, éd. Galilée, Paris, 1979 -
Superbe pendule par le célèbre horloger Hour Lavigne et le céramiste Jean Léon Mayodon (1893-1967). Objet composé d'une pendule en partie centrale Hour Lavigne montée sur un plat en céramique réalisé par Mayodon. La pendule a été conçue pour être montée sur un mur, elle peut aussi être utilisée comme pendule de table une fois posée sur un présentoir. Le décor représente une scène de danse de couples à l'Antique typique des années 1940 et 1950. Le décor est réalisé en émaux polychromes noir, rouge, vert, complété de rehauts d'or. Les aiguilles et le cadran sont en laiton doré. Le monogramme de Jean Léon Mayodon est présent en partie inférieure du décor et la signature d'Hour Lavigne est présente sur le mécanisme. Le mouvement de la pendule est mécanique (peut durer 7 jours) et est en état de fonctionnement. Jean Léon Mayodon a réalisé un modèle similaire pour le joaillier Cartier à New York dans les années 1950 où l'on peut retrouver un décor en émail et or de femmes nues dansantes. Hour Lavigne est un célèbre horloger renommé pour ses mouvements mécaniques hauts de gamme. Mayodon est un des plus célèbres céramistes français des années 1940, 1950 connu pour ses représentations néoclassiques. Diamètre : 26cm
Stunning clock by famous clockmaker Hour Lavigne and ceramist Jean Léon Mayodon (1893-1967) This clock is made of a central clock by Hour Lavigne mounted on a plate realized by J.L. Mayodon. This clock is designed to be mounted on a wall but can also be used as a table clock if put on a stand. The decorative motif depicts an Antique-style scene of dansing couples typical from the 1940's 1950's. The decoration is executed in polychrome enamel, featuring black , green and red colours with gold accents. The hands and dial are made of gilded brass. The plate is signed by Jean Léon Mayodon's monogram located in the lower part. Hour Lavigne signature appears inside the clock mechanism. The clock movement is mechanical (around 7 days) and in working order. Hour Lavigne and Jean Léon Mayodon created a similar clock for Cartier in New York around 195o. Hour Lavigne is a famous clockmaker renowned for the quality of its high end mechanical movements. Mayodon is one of the most famous French ceramist in the 1940's 1950's with a neoclassical inspiration. Diameter : 10.24 inches/26 cm Depth : 2.37 inches / 6cm -
Superbe tableau réalisé par le peintre Paul Jouve (1866-1924) représentant deux perroquets des années 1930. Paul Jouve est un illustrateur et sculpteur français, passionné depuis son plus jeune âge par les animaux, en témoigne sa fabuleuse représentation de ces deux volatiles. Il est le plus célèbre peintre animalier de la période Art Déco. Les peintures originales de Paul Jouve sont rares et très recherchées. L'œuvre a été réalisée sur papier grâce à différentes techniques à la fois sèches, le graphite et le fusain et humides, l'aquarelle, marquant la virtuosité technique de l'artiste. Ce tableau est signé "Jouve" en partie inférieure et certifié par Monsieur Dominique Suisse, l'ayant droit de Paul Jouve. Le montage d'origine a été réalisé par Havard Frères, le tampon de fournisseur étant au revers du panneau de montage. Le papier fort de l'œuvre est posé sur le panneau, mais n'est pas collé. Taille sans le cadre : 55.4 x 70.5 cm Taille avec le cadre : 83 cm x 68 cm profondeur : 5cm Pour plus d'informations sur Paul Jouve, cliquez ici.
This stunning painting was created by the French artist Paul Jouve (1866-1924) in the 1930's and depicts two parrots. Paul Jouve was an illustrator and sculptor who had a lifelong passion for animals, as evidenced by his fabulous portrayal of these birds. He is the most famous animal painter in the Art Deco period. Original paintings by Jouve are rare and very much sought and looked after. The artwork was executed using different techniques including dry mediums such as graphite and charcoal, as well as wet techniques like watercolor showcasting the artist's technical virtuosity. The painting is signed "Jouve" on the lower part and certified by Mr. Dominique Suisse, the rightful heir of Paul Jouve. The mounting is old and was done by Havard Frères with the supplier's stamp on the back of the mounting panel. The strong paper of the artwork is laid on the panel but is not glued. Size without frame : 21.82 x 27.56 inches/55.4 x 70 cm Size with frame : 32.68 x 26.78 inches , depth 1.97 inches / 83 cm x 68 cm depth : 5cm For more informations about Paul Jouve, click here -
Ce plateau rectangulaire daté des années 1930 est typique du Bauhaus. Sa composition est marquée par une asymétrie du décor comprenant cependant des motifs géométriques réguliers, des lignes pures et un détachement face à l'ornement caractéristique du goût du Bauhaus. Le plateau est en bois laqué noir incrusté de lames d'aluminium et les prises sont en métal chromé. Il présente quelques piqures, rayures et sauts de laque. Hauteur : 5.5 cm Longueur : 40.5 cm Largeur : 30cm
Stunning rectangular tray adorned with geometric patterns in typical Bauhaus style. The pattern is asymmetrical with regular motifs, the lines are clean and simples. This tray dates back to the 1930s. The tray is made of black lacquered wood, inlaid with aluminium strips and the handles are made in chromed metal. It shows some minor pittings and scratches. Height : 2.17 inches/5.5 cm Length : 15.95 inches/40.5 cm Width : 11.82 inches/30cm -
Cet exceptionnel reliquaire Kota provient de la tribu Mahogwe qui vit sur le fleuve Ogooué au Gabon. Les Mahogwe font partie de l'ethnie Kota basée au Nord-Est du Gabon. Cette sculpture est exceptionnelle car elle a été collectée in situ par un administrateur colonial du nom de Fernand Oliveda qui fut un administrateur colonial de haut rang basé entre 1888 et 1930 à Madagascar, au Sénégal et au Congo. En 1925, il était chef du secrétariat du gouverneur général du Moyen-Congo (alors nom du Gabon). Il est très rare de pouvoir avoir une traçabilité claire pour un tel objet, sa collection d'art africain étant restée dans la famille depuis ! Il est composé de bois, de laiton et de cuivre. De fines lamelles de laiton/cuivre enveloppent le noyau bois. Au dos une fine plaque de laiton/cuivre décorée recouvre le bois. Un support en fer moderne sur mesure est fourni pour afficher la sculpture. This exceptional Kota reliquary comes from the Mahogwe tribe who lives on the river Ogooué in Gabon. The Mahogwe are part of the Kota ethnic group based in the North-East of Gabon. This sculpture is exceptional because it was collected in situ by a colonial administrator named Fernand Oliveda who was a high ranking colonial administrator based between 1888 and 1930 in Madagascar, Senegal and Congo. In 1925 he was Chief of Secretariat for the Middle Congo Governor General (the then name for Gabon). It is very rare to be able to have clear traceability for such an item as his African art collection was kept in the family since then! It is made of wood, brass and copper.. Thin strips of brass/copper are envelopping the wood core. On the back a thin decorated plate of brass/copper covers the wood. A bespoke modern iron stand is provided to desplay the sculpture. -
Superbe huile sur carton d'André Maire (1898-1984) représentant deux femmes vietnamiennes sous des arbres flamboyants. Les peintures à l'huile d'André Maire sont beaucoup plus rares que ses gouaches sur papier, celle-ci étant de plus assez grande. Superbes couleurs et sensualité. Le tableau porte le cachet de l'atelier au dos. André Maire est l'un des "Peintres Voyageurs" français les plus célèbres. Il a beaucoup voyagé en Europe, en Afrique et en Extrême-Orient à partir de 1910 notamment en Inde, à Madagascar, au Cambodge et au Vietnam. Il a enseigné l'art de la peinture à Hanoï -Vietnam notamment. Dimensions: - sans cadre : 90x59cm - cadre : 93x62cm. Stunning oil on cardboard painting by André maire (1898-1984) representing two Vietnamese ladies under Flamboyant trees. Oil paintings by André Maire are a lot more scarce than his gouache on papers. This one is as well quite large. Superb colors and sensuality. It bears the workshop stamp at the back. André Maire is one of the most famous French "Peintres Voyageurs" who travelled extensively in Europe, Africa and the Far East from 1910 in particular to India, Madagascar, Cambodgia and Vietnam. He taught the art of painting in Hanoï -Vietnam in particular. Dimensions: - without frame : 90x59cm - frame : 93x62cm.