• Masque « Ntomo » à sept dents, population Bamana, Mali, 1930-1940

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    Le masque Ntomo est utilisé lors des rituels d'initiation des jeunes en Afrique de l'Ouest. Il est identifiable par ses cornes, allant de trois à huit. Les Bamana, également appelés Bambara, vivent au Mali, en Guinée et en Côte d'Ivoire, partageant une langue et des traditions communes. Ces rituels, réservés aux jeunes de 6 à 13 ans, sont dirigés par des forgerons, seuls capables de sculpter ces masques sacrés en raison de leur maîtrise du "nyama", une énergie spirituelle dangereuse. Chaque masque est créé sous la guidance d'un djinn, et les cornes symbolisent son genre : trois ou six cornes pour un masque masculin, quatre ou huit pour un féminin, et deux, cinq ou sept pour un masque androgyne. Le masque présenté ici, avec sept cornes, est androgyne, l'autre masque qu'on a, avec quatre, est féminin.
    • Masque de la région de Ségou
    • Sept dents
    • Bois rehaussé de cauris, circa 1930-1940
    • Dimensions : H : 61.5 cm
    The Ntomo mask is used during initiation rituals in West Africa. It is identifiable by its horns, which range from three to eight. The Bamana, also known as the Bambara, live in Mali, Guinea, and Côte d'Ivoire, sharing a common language and traditions. These rituals, reserved for adolescents aged 6 to 13, are led by blacksmiths, the only ones capable of carving these sacred masks due to their mastery of "nyama," a dangerous spiritual energy. Each mask is created under the guidance of a djinn, and the horns symbolize its gender: three or six horns for a male mask, four or eight for a female, and two, five, or seven for an androgynous mask. The mask presented here, with seven horns, is androgynous, while the other mask we have, with four horns, is female.
    • Ségou region, Mali.
    • Wood, cowrie shells, reptile skin.
    • Dimensions: H : 61.5 cm / H : 24.02 inches.
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  • Masque « Ntomo » à quatre dents, population Bamana, Mali

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    Le masque Ntomo est utilisé lors des rituels d’initiation des jeunes dans les sociétés Bamana d’Afrique de l’Ouest. Il est reconnaissable par sa partie supérieure en forme de peigne avec trois à huit cornes, symbolisant le genre du masque. Les masques avec trois ou six cornes sont masculins, quatre ou huit cornes sont féminins, et deux, cinq ou sept cornes sont androgynes. Confectionnés par les forgerons, seuls capables de manipuler le bois chargé d'énergie spirituelle, ces masques font partie de cérémonies incluant costumes et fouets, représentant des figures mythiques et spirituelles. Ce masque est féminin.
    • Population Bamana, Mali
    • Masque à peigne à quatre dents, bois recouvert de cauris, patine ancienne.
    • Dimensions : H : 52 cm L : 14.5 cm
    ________________________________________________________________ The Ntomo mask is used during initiation rituals for youths in Bamana societies of West Africa. It is recognizable by its upper part shaped like a comb, with three to eight horns symbolizing the gender of the mask. Masks with three or six horns are masculine, those with four or eight are feminine, and those with two, five, or seven horns are androgynous. Crafted by blacksmiths, the only ones capable of handling the wood charged with spiritual energy, these masks are part of ceremonies that include costumes and whips, representing mythical and spiritual figures. This mask is crafted for females.
    • Bamana Population, Mali.
    • Wood and cowrie shells.
    • Dimensions:  H : 52 cm L : 14.5 cm / H : 20.48 in 5.5 in
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  • « Portrait de jeune femme », Marie Vassilieff (1884-1957)

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      Marie Vassilieff (1884-1957) est une peintre et sculptrice d’origine russe, naturalisée française. Elle est connue pour son rôle central dans la vie artistique parisienne d'avant-garde, notamment à Montparnasse, où elle fonde sa propre école de peinture « l’Académie Vassilieff »  transformée par la suite en cantine populaire pour artistes. Cette dernière est vite fréquentée par de nombreuses figures artistiques, dont Picasso, Modigliani et Fernand Léger. Influencée par le cubisme, elle réalise des portraits, ainsi que des poupées sculptées en tissu représentant ses amis artistes. Portrait de jeune femme Assemblage de papier et rhodoïd découpé, crayon gras et crayon noir. Signé en bas à gauche. Situé et daté « Paris 1937 » en bas à droite. Dimensions H : 30,5 cm ; L : 22 cm (sans cadre) H : 42 cm ; L : 32 cm (avec cadre)    
        Marie Vassilieff (1884–1957) was a Russian-born painter and sculptor who later settled in France and became a key figure in the Parisian avant-garde. Closely associated with the Montparnasse art scene, she founded her own painting school : the “Académie Vassilieff”. It later became a popular canteen for struggling artists and a lively gathering place visited by major figures such as Picasso, Modigliani, and Fernand Léger. Strongly influenced by cubism, Vassilieff developed a distinctive style, creating expressive portraits as well as fabric dolls portraying her artist friends. Portrait of a Young Woman Collage of cut paper and acetate sheet (rhodoïd), grease pencil, and black pencil. Signed lower left. Located and dated "Paris 1937" lower right. Dimensions H : 30.5 cm ; W : 22 cm (unframed) H : 42 cm ; W : 32 cm (framed)
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  • PFEIFFER Herni Ernst (1907-1994), « Pas de deux », 1931

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    Henri Pfeiffer intègre le Bauhaus à l’âge de 17 ans, où il devient élève de Paul Klee. Il réalise de nombreuses œuvres abstraites avec une vision renouvelée de l’utilisation et de la perception des couleurs. Dès son plus jeune âge, Pfeiffer étudie intensivement la chimie des pigments sous la direction de son oncle. En 1933, lorsque le Bauhaus est interdit, il est arrêté par la Gestapo mais parvient à être libéré grâce à l’intervention de ses parents. Par la suite, il abandonne la peinture mais conserve une passion profonde pour les couleurs, devenant un ophtalmologue renommé, spécialisé dans la perception des couleurs. Après s’être installé en France, Pfeiffer écrit un livre sur le sujet dans les années 1950. Son parcours, de peintre avant-gardiste à scientifique obsédé toute sa vie par la compréhension de la perception des couleurs, est remarquable. Il suit les principes éthiques et philosophiques du Bauhaus, qui prônaient l’intégration de l’art, de la science et de l’industrie.
    • Aquarelle sur papier.
    • Monogrammé et daté en bas à droite.
    • Accompagné d'un message manuscrit au dos écrit par Pfeiffer lui-même : «Cette aquarelle signée HP 31 est originale de mon époque Bauhaus», signé «Henri Pfeiffer».
    Dimensions  H : 42 cm L : 29 cm Pour découvrir plus sur l'artiste cliquez ici 
    Henri Pfeiffer joined the Bauhaus at the age of 17, where he became a student of Paul Klee. He created numerous abstract works with a renewed vision of color use and perception. From a young age, Pfeiffer studied the chemistry of pigments intensively under the guidance of his uncle. In 1933, when the Bauhaus was banned, he was arrested by the Gestapo but was successfully released thanks to the intervention of his parents. After this, he abandoned painting but remained deeply passionate about color, eventually becoming a renowned ophthalmologist specializing in color perception. After moving to France, Pfeiffer wrote a book on the subject in the 1950s. His journey, from avant-garde painter to scientist with a lifelong obsession with color perception, is a remarkable story. It is in line with the ethical and philosophical principles of Bauhaus, which emphasized the integration of art, science, and industry.
    • Watercolor on paper.
    • Monogrammed and dated at bottom right.
    • Accompanied by a handwritten message on the back written by Pfeiffer himself: " This watercolor signed HP 31 is original from my Bauhaus period," signed "Henri Pfeiffer".
    Dimensions  H : 42 cm W : 29 cm/H :16.53 in W : 11.41 in To learn more about Henri Pfeiffer, click here   
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  • Camille ROCHE (1894–1948), « Jeune fille endormie », nu

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    Fils d'Odilon Roche, artiste et marchand d'art, Camille Roche (1894–1948) montre dès son enfance un talent remarquable pour la peinture. À 11 ans, il expose déjà au Salon d'Automne. Après des voyages en Italie et en Tunisie, il se fait connaître par ses décors pour Colette et Coco Chanel.

    Après la guerre, il collabore avec la Manufacture de Sèvres et rejoint son frère Serge Roche, décorateur de renom, pour réaliser des œuvres prestigieuses, notamment pour Lord et Lady Cholmondeley. Camille Roche est également reconnu pour ses dessins de nus, de paysages et d'animaux, et participe régulièrement aux principaux salons artistiques de son époque.

    Selon les archives familiales, Camille Roche épouse Andrée Vallée en 1916, qui figure sur la peinture. Il se remarie neuf ans plus tard, en 1925, avec la mère de ses futurs enfants. Cette peinture est une représentation d’Andrée Vallée réalisée aux alentours de 1920.
    • Provenance : ancienne collection Camille Roche, resté depuis dans la famille.
    • Huile sur toile.
    • Signée en bas à droite et contresignée au dos.
    Dimensions  H : 65 cm L : 99 cm _________________________________________________

    The son of Odilon Roche, artist and art dealer, Camille Roche (1894–1948) demonstrated remarkable talent for painting from a young age. At 11, he was already exhibiting at the Salon d'Automne. After traveling to Italy and Tunisia, he became known for his decorations for Colette and Coco Chanel.

    After the war, he collaborated with the Manufacture of Sèvres and worked alongside his brother Serge Roche, a renowned decorator, to create prestigious works, including for Lord and Lady Cholmondeley. Camille Roche was also recognized for his drawings of nudes, landscapes, and animals, and regularly participated in the major art salons of his time.

    According to family records, Camille Roche married Andrée Vallée in 1916, who appears in the painting. He remarried nine years later, in 1925, to the mother of his future children. This painting is a depiction of Andrée Vallée, created around 1920.
    • Provenance: collection of Camille Roche, kept within the family.
    • Oil on canvas.
    • Signed at the bottom right and countersigned on the reverse.
    Dimensions H: 65 cm W: 99 cm/H: 25.59 in W: 38.98 in  
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  • Léa LAFUGIE (1890-1972), portrait d’une jeune Cambodgienne

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    Léa Lafugie est une peintre française née à Paris, connue pour ses portraits et paysages issus de ses voyages. Elle étudie à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris, puis à l’Académie des Beaux-Arts et commence sa carrière en exposant au Salon des Artistes Indépendants.  Passionnée depuis son plus jeune âge par les récits de voyages et d’aventures,elle décide de partir  dès 1924 en Afrique du Nord, puis en 1925 en Asie. Elle séjourne en Inde, en Birmanie, au Tibet, puis dans la péninsule indochinoise et en extrême Orient. Durant ces voyages, elle ne cesse de peindre et de représenter ce qu’elle découvre et les personnes qu’elle rencontre. Ce portrait a été réalisé lors d’un voyage au Cambodge, il représente une jeune fille concentrée sur son ouvrage. De ce portrait émane une grande douceur et sérénité. 
    • Cette huile sur panneau de bois qui provient de la célèbre collection Jean-Paul Gérard-Pau, signée en bas à gauche.
    • Datation : entre 1925-1930, les dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie.
    • Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm
    _________________________________________________________________________ Léa Lafugie was a French painter born in Paris, known for her portraits and landscapes inspired by her travels. She studied at the National School of Decorative Arts in Paris and later at the Academy of Fine Arts, beginning her career by exhibiting at the Salon des Artistes Indépendants. Passionate about travel and adventure from a young age, she decided to embark on a journey in 1924 to North Africa and then in 1925 to Asia. She stayed in India, Burma, Tibet, the Indochinese peninsula, and the Far East. Throughout these travels, she continued to paint  the sights and people she encountered. This oil painting on a wooden panel was painted during a journey to Cambodia. It depicts a young girl focused on her work. In this portrait, we can perceive a profound sense of softness and tranquility.
    • Dating: between 1925-1930, the period when Léa Lafugie traveled to Asia.
    • This oil on board comes from the renowned collection of Jean-Paul Gérard-Pau. Signed Lafugie.
    • Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm / H : 13 L : 9.25 inches
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  • Robert MALLET-STEVENS (1886-1945), lampe moderniste chromé, circa 1930

    5500,00€
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    Lampadaire en métal chromé, icône du style moderniste, avec une vasque évasé reposant sur un fût cylindrique le tout maintenu par une base circulaire, Circa 1930. Bon état avec de légers enfoncements et traces d’oxydation. H : 1m72 Un exemplaire de ce lampadaire figurait dans l’aménagement de 1932 du Grand Salon de la Villa Cavrois (Croix).   Robert MALLET-STEVENS(1886-1945) de 1904 à 1909, Il étudie l’architecture. Il devient un architecte majeur de la période art déco, appliquant un style moderniste à des constructions de prestige pour une clientèle fortunée (Rue MALLET STEVENS, Paris XVI, maison de martel à Boulogne, villa Cavrois). Ainsi que des bâtiment publique comme le célèbre casino de Saint-Jean-de-Luz. Emblématique du style «  paquebot ». En 1929 il co-fonde l’Union des Artistes Modernes (UAM), et en 1935,Mallet-Stevens devient directeur de l’École des Beaux-Arts de Lille. Câblage aux standards européen.       Modernist chrome lamp, Robert MALLET-STEVENS (1886-1945), circa 1930 Chromed metal floor lamp, icon of the modernist style, with a flared basin resting on a cylindrical barrel all maintained by a circular base, Circa 1930. Good condition with slight dents and traces of oxidation. H : 62.72 inches A copy of this floor lamp appeared in the 1932 layout of the Grand Salon of the Villa Cavrois (Croix).   Robert MALLET-STEVENS (1886-1945) from 1904 to 1909, studied architecture. He became a major architect of the Art Deco period, applying a modernist style to prestigious constructions for a wealthy clientele (Rue MALLET STEVENS, Paris XVI, house of martel in Boulogne, villa Cavrois). As well as public buildings such as the famous casino of Saint-Jean-de-Luz. Emblematic of the "liner" style. In 1929 he co-founded the Union des Artistes Modernes (UAM), and in 1935, Mallet-Stevens became director of the Ecole des Beaux-Arts de Lille. Wide for european use.
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  • Pied de lampe, Camille Fauré (1874-1956)

    7100,00€
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      Camille Raymond Fauré (1874-1956) est un artiste émailleur français, né le 16 novembre 1874 à Périgueux et mort le 7 octobre 1956 à Limoges. Il est surtout connu pour son travail de conception d’émaux pour les sociétés fabriquant la porcelaine de Limoges. Les motifs floraux et figuratifs dans des couleurs richement émaillées sont sa signature. Pied de lampe de forme pansue en émaux polychromes. Décor floral dans les tons verts, rouges et roses. Signé C. Fauré Limoge. Circa 1930. Dimensions  H : 30 cm ; D : 20 cm    
        Camille Raymond Fauré (1874-1956) is a French enameler artist, born on November 16th 1874, in Périgueux, and died on October 7th 1956, in Limoges. He is best known for his enamel designs for companies producing Limoges porcelain. Floral and figurative patterns in richly enameled colors are his signature. Bulb-shaped lamp base in polychrome enamels. Floral decoration in shades of green, red, and pink. Signed C. Fauré Limoge. Circa 1930. Dimensions H : 30 cm ; D : 20 cm H : 11.8 in ;  D : 7.9 in
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  • Pendule de table électrique en verre « Ato », circa 1930

    7500,00€
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    Exceptionnelle pendule électrique (mue par une pile ronde standard LR14) Art Déco transparente en verre à boîtier rond nickelé sur un socle également en verre avec trois escaliers, les montures et bordures en métal chromé. Le cadran, typiquement Art Déco, est transparent et laisse apparent dans un double entourage de cercles le mouvement du balancier électro-magnétique. Les aiguilles sont de formes géométriques, caractéristiques de la période et des modèles documentés de Léon HATOT.
    • Signée « Ato ».
    • Bon état, fonctionne par intermittence.
    • Mouvement électrique avec une pile, levier pour déclencher le balancier.
    ATO est une marque d’horlogerie prestigieuse fondée par Léon Hatot (1983-1953), il est formé à l’Ecole Nationale d’Horlogerie de Besançon de 1895 à 1898 ; ce n’est qu’en 1905 qu’il se lance dans la production et la gravure de boîtiers de montres en métaux précieux. Entre 1918 et 1919 est construite l’usine de la "fabrique d’horlogerie et de joaillerie" spécialisée dans l’horlogerie de luxe. En 1923, il s’intéresse alors aux évolutions possible dans l’horlogerie et collabore alors avec l’ingénieur des Arts et Métiers Marius Lavet, diplômé de l’Ecole supérieure d’Electricité. Il commence par la suite la fabrication de pendules et d’horloges électriques, commercialisées sous la marque Ato à partir de 1923. Deux ans plus tard en 1925, il remporte, le grand prix d’art décoratif. Léon Hatot est considéré comme l’un des pionniers des pendules électriques haut de gamme. H : 34 cm L : 30 cm P : 12cm
    Exceptional electric clock (powered by a standard round LR14 battery) in Art Deco style, transparent glass with a round nickel-plated case on a glass base featuring three steps, with chrome metal mounts and borders. The dial, typically Art Deco, is transparent and showcases the movement of the electromagnetic pendulum within a double circle surround. The hands are geometrically shaped, characteristic of the period and documented models by Léon HATOT.
    • Signed "Ato."
    • In good condition, works intermittently.
    • Electric movement with a battery, lever to activate the pendulum.
    ATO is a prestigious watchmaking brand founded by Léon Hatot (1883-1953). He was trained at the École Nationale d'Horlogerie de Besançon from 1895 to 1898. It wasn't until 1905 that he began producing and engraving watch cases in precious metals. Between 1918 and 1919, he built the factory for "watchmaking and jewelry" specializing in luxury timepieces. In 1923, he turned his attention to developments in horology and collaborated with engineer Marius Lavet, a graduate of the École supérieure d'Électricité. He then began producing electric clocks, marketed under the Ato brand starting in 1923. Two years later, in 1925, he won the Grand Prix of Decorative Arts. Léon Hatot is considered one of the pioneers of high-end electric clocks. H : 34 cm, W : 30 cm, D : 12 cm.
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  • Table à jeu portefeuille, René Joubert & Philippe Petit, France, 1930

    8000,00€
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      René Joubert (1878–1931) et Philippe Petit (1900–1945) sont un duo de designers français ayant marqué le monde des arts décoratifs dans l’entre-deux-guerres. Actifs principalement dans les années 20 et 30, ils se sont distingués par un style mêlant élégance classique et modernité. Ils ont participé à plusieurs expositions internationales, dont l’Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris. Leurs œuvres ont souvent été éditées par la maison D.I.M. (Décoration Intérieure Moderne), crée par Joubert en 1918. Leur travail reflète une approche sobre et géométrique, caractéristique du mouvement Art Déco, tout en restant accessible à une clientèle bourgeoise en quête de modernité.   Table à jeu portefeuille En bois laqué noir à système découvrant un plateau à jeu en velours vert et quatre cendriers en laiton Piétement quadrangulaire ouvrant par une porte donnant sur un intérieur aménagé d’acajou et terminé par une base carrée Editée par DIM (Décoration Intérieure Moderne) Circa 1930 Dimensions H : 72,5 cm ; L : 55 ; P : 55 cm (fermée) H : 72,5 cm ; L : 78,5 cm ; P : 78,5 cm (ouverte)  
      René Joubert (1878–1931) and Philippe Petit (1900–1945) were a duo of French designers who made a significant impact on the world of decorative arts in the interwar period. Active mainly during the 1920s and 1930s, they stood out for a style that combined classical elegance with modernity. They took part in several international exhibitions, including the 1925 Exposition des Arts Décoratifs in Paris. Their works were often produced by the D.I.M. company (Décoration Intérieure Moderne), founded by Joubert in 1918. Their creations reflect a refined, geometric approach characteristic of the Art Deco movement, while remaining accessible to a bourgeois clientele in search of modernity. Foldable Game Table Black lacquered wood with a mechanism revealing a green velvet gaming surface and four brass ashtrays Rectangular leg with a door opening onto an interior fitted in mahogany, with in a square base Produced by DIM (Décoration Intérieure Moderne) Circa 1930 Dimensions H : 72,5 cm ; L : 55 ; D : 55 cm (closed) H : 72,5 cm ; L : 78,5 cm ; D : 78,5 cm (open) H : 28.5 in ; L : 21. 7 in ; D : 21.7 in (closed) H : 28.5 in ; L : 30.9 in ; D : 30.9 in (open)
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  • André MARGAT (1903-1999), « Orang-Outan », 1929

    8500,00€
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    André Margat est un artiste français largement connu pour ses représentations d'animaux. Il est membre du « Groupe des Douze », une association d'artistes créée en 1932 dans le but de présenter l'art animalier français lors d'expositions et d'honorer un artiste chaque année.
    • Dessin au pastel.
    • Signé en bas à droite et daté (19)29.
    Dimensions H : 64.5 cm L : 48.5 cm (sans cadre) H : 71.5 cm L : 56 cm (avec cadre) _____________________________________________ André Margat is a French artist widely known for his representations of animals. He is a member of the « Groupe des Douze », an association of artists created in 1932 with the aim of presenting French animal art in exhibitions and honoring an artist each year.
    • Drawing in pastel.
    • Signed at lower right and dated (19)29.
    Dimensions H : 64.5 cm L : 48.5 cm/H: 25.4 in W: 19.1 in (without frame) H : 71.5 cm L : 56 cm/H: 28.1 in W: 22 in (with frame)  
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  • « Femme nue tenant un drapé jaune dans un paysage », Charles Kvapil (1884-1957)

    9500,00€
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      Charles Kvapil (1884-1957) était un peintre belge d’origine autrichienne, reconnu pour ses œuvres post-impressionnistes aux accents fauves. Né à Anvers, il étudie à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers puis à l’Académie Julian à Paris. Influencé par les maîtres impressionnistes et les courants modernes du début du XXe siècle, Kvapil développe un style personnel marqué par des couleurs vibrantes et une touche expressive. Il se spécialise dans les scènes de nus féminins, les portraits et les paysages, souvent baignés d'une lumière chaude et méditerranéenne. « Femme nue tenant un drapé jaune dans un paysage » Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Circa 1930. Dimensions H : 91 cm ; L : 72 cm (sans cadre) H : 121,5 cm ; L : 102 cm (avec cadre)  
      Charles Kvapil (1884–1957) was a Belgian painter of Austrian origin, known for his post-Impressionist works with Fauvist influences. Born in Antwerp, he studied at the Royal Academy of Fine Arts in Antwerp and later at the Académie Julian in Paris. Influenced by the Impressionist masters and the modern movements of the early 20th century, Kvapil developed a personal style characterized by vibrant colors and expressive brushwork. He specialized in scenes of female nudes, portraits, and landscapes, often bathed in warm, Mediterranean light. "Nude Woman Holding a Yellow Drape in a Landscape" Oil on canvas. Signed lower left. Circa 1930s. Dimensions H : 91 cm ; W : 72 cm (unframed) H : 121,5 cm ; W : 102 cm (framed) H : 35.8 in ; W : 28.3 in (unframed) H : 47.8 in ; W : 40.2 in (framed)
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