Marie Vassilieff (1884-1957) est une peintre et sculptrice d’origine russe, naturalisée française. Elle est connue pour son rôle central dans la vie artistique parisienne d'avant-garde, notamment à Montparnasse, où elle fonde sa propre école de peinture « l’Académie Vassilieff » transformée par la suite en cantine populaire pour artistes. Cette dernière est vite fréquentée par de nombreuses figures artistiques, dont Picasso, Modigliani et Fernand Léger. Influencée par le cubisme, elle réalise des portraits, ainsi que des poupées sculptées en tissu représentant ses amis artistes.
Portrait de jeune femme
Assemblage de papier et rhodoïd découpé, crayon gras et crayon noir.
Signé en bas à gauche.
Situé et daté « Paris 1937 » en bas à droite.
Dimensions
H : 30,5 cm ; L : 22 cm (sans cadre)
H : 42 cm ; L : 32 cm (avec cadre)
Marie Vassilieff (1884–1957) was a Russian-born painter and sculptor who later settled in France and became a key figure in the Parisian avant-garde. Closely associated with the Montparnasse art scene, she founded her own painting school : the “Académie Vassilieff”. It later became a popular canteen for struggling artists and a lively gathering place visited by major figures such as Picasso, Modigliani, and Fernand Léger. Strongly influenced by cubism, Vassilieff developed a distinctive style, creating expressive portraits as well as fabric dolls portraying her artist friends.
Portrait of a Young Woman
Collage of cut paper and acetate sheet (rhodoïd), grease pencil, and black pencil.
Signed lower left.
Located and dated "Paris 1937" lower right.
Dimensions
H : 30.5 cm ; W : 22 cm (unframed)
H : 42 cm ; W : 32 cm (framed)
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Camille Raymond Fauré (1874-1956) est un artiste émailleur français, né le 16 novembre 1874 à Périgueux et mort le 7 octobre 1956 à Limoges. Il est surtout connu pour son travail de conception d’émaux pour les sociétés fabriquant la porcelaine de Limoges. Les motifs floraux et figuratifs dans des couleurs richement émaillées sont sa signature. Pied de lampe de forme pansue en émaux polychromes. Décor floral dans les tons verts, rouges et roses. Signé C. Fauré Limoge. Circa 1930. Dimensions H : 30 cm ; D : 20 cm
Camille Raymond Fauré (1874-1956) is a French enameler artist, born on November 16th 1874, in Périgueux, and died on October 7th 1956, in Limoges. He is best known for his enamel designs for companies producing Limoges porcelain. Floral and figurative patterns in richly enameled colors are his signature. Bulb-shaped lamp base in polychrome enamels. Floral decoration in shades of green, red, and pink. Signed C. Fauré Limoge. Circa 1930. Dimensions H : 30 cm ; D : 20 cm H : 11.8 in ; D : 7.9 in -
André Arbus (1903-1969) ébéniste et décorateur français, est reconnu pour son style néo-classique raffiné qui marie élégance et tradition. Formé aux Beaux-Arts et enraciné dans l’artisanat familial, il se distingue dès l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs de 1925. Fidèle à l’héritage français, il travaille des matériaux nobles comme le sycomore et la laque, et orne ses pièces de détails sculptés inspirés de l’époque classique. Arbus conçoit des meubles à la fois somptueux et fonctionnels, portant l’empreinte d’une tradition revisitée avec modernité et finesse. Commode dite « Pantalonnière » Chêne laqué, laque de Chine brune. Circa 1935. Une variante au modèle a été acquise par le Mobilier National et présentée lors de l’exposition “Le Chic ! Arts décoratifs et mobilier de 1930 à 1960” à la Galerie des Gobelins en 2023. Neuf tiroirs. Dimensions H : 66,5 cm ; L : 155,5 cm ; P : 47,5 cm
André Arbus (1903–1969), a French cabinetmaker and decorator, is renowned for his refined neoclassical style that blends elegance and tradition. Trained at the École des Beaux-Arts and rooted in his family's craft heritage, he gained recognition at the 1925 International Exhibition of Decorative Arts. Faithful to French heritage, he worked with fine materials such as sycamore and lacquer, embellishing his creations with sculpted details inspired by the classical era. Arbus designed furniture that was both luxurious and functional, reflecting a tradition reinterpreted with modernity and finesse. "Pantalonnière" Chest of Drawers Lacquered oak, brown Chinese lacquer. Circa 1935. A variant of this model was acquired by the Mobilier National and featured in the exhibition “Le Chic! Decorative Arts and Furniture from 1930 to 1960” at the Galerie des Gobelins in 2023. Nine drawers. Dimensions H : 66.5 cm; W : 155.5 cm; D : 47.5 cm H : 26.2 in ; W : 61.2 in ; D : 18.7 in -
ATO est une marque d’horlogerie prestigieuse fondée par Léon Hatot (1983-1953), il est formé à l’Ecole Nationale d’Horlogerie de Besançon de 1895 à 1898. Entre 1918 et 1919 est construite l’usine de la "fabrique d’horlogerie et de joaillerie" spécialisée dans l’horlogerie de luxe. En 1923, il s’intéresse alors aux évolutions possibles dans l’horlogerie et collabore alors avec l’ingénieur des Arts et Métiers, Marius Lavet, diplômé de l’Ecole supérieure d’Electricité. Il commence par la suite la fabrication de pendules et d’horloges électriques, commercialisées sous la marque ATO à partir de 1923. Deux ans plus tard en 1925, il remporte, le grand prix d’art décoratif. Pendule de table électrique ATO. En verre, montures en métal chromé. Mécanisme apparent, fonctionne sur pile. Années 40. Dimensions H : 28 cm ; L : 43 cm ; P : 10 cm
ATO is a prestigious watchmaking brand founded by Léon Hatot (1883–1953). He studied at the National School of Watchmaking in Besançon from 1895 to 1898. Between 1918 and 1919, a factory was built for the “watchmaking and jewelry workshop,” specializing in luxury timepieces. In 1923, he became interested in possible innovations in watchmaking and began collaborating with Marius Lavet, an engineer from the Arts et Métiers and a graduate of the École Supérieure d'Électricité. He subsequently began manufacturing electric clocks and timepieces, which were marketed under the ATO brand starting in 1923. Two years later, in 1925, he was awarded the Grand Prize for Decorative Arts. ATO Electric Table Clock Made of glass, with chrome-plated metal fittings. Visible mechanism, battery-operated. Circa 1940. Dimensions H : 28 cm; W : 43 cm; D : 10 cm H : 11 in ; W : 16.9 in ; D : 3.9 in -
Georges Henri Laurent (1880-1940) est un artiste décorateur et peintre français, actif durant la première moitié du XXe siècle. Membre de l’Union des Artistes Modernes (UAM) avec notamment Robert Mallet-Stevens et Le Corbusier, il participe au renouveau des arts décoratifs en France dans un esprit moderniste. Il se distingue par son travail dans les domaines du mobilier, de la décoration intérieure et de la sculpture, adoptant des formes sobres et fonctionnelles, en accord avec les principes de l’UAM. Son œuvre reflète une recherche d’harmonie entre utilité et esthétique. Cabinet en bois noirci Corps quadrangulaire ouvrant par un casier en partie haute, un abattant en partie centrale entièrement sculpté recto verso d’un félin branché et d’un temple khmer, et en partie basse par deux portes pleines en placage de loupe. Piètement latéral plein à décroché en partie basse. Sauts de placage, éraflures, taches, petit jour entre l’abattant et les portes en partie basse. Prises de tirage conique à décor peint d’une fleur stylisée. Signé. Dimensions H : 150 cm ; L 55 ,5 cm ; P : 34 cm
Georges Henri Laurent (1880–1940) was a French decorative artist and painter, active during the first half of the 20th century. A member of the Union des Artistes Modernes (UAM) alongside figures such as Robert Mallet-Stevens and Le Corbusier, he contributed to the revival of decorative arts in France with a modernist spirit. He stood out for his work in furniture, interior decoration, and textile design, embracing clean and functional forms in line with the UAM's principles. His work reflects a pursuit of harmony between utility and aesthetics. Blackened wood cabinet Quadrangular body opening with an upper compartment, a central drop-down panel entirely carved on both sides with a perched feline and a Khmer temple, and a lower section with two solid doors in burled wood veneer. Solid side base with a recessed lower section. With veneer losses, scratches, stains, and a slight gap between the drop-front and the lower doors. Conical drawer pulls painted with a stylized flower motif. Signed. Dimensions H : 150 cm; W : 55.5 cm; D : 34 cm H : 59 in ; W : 21.9 in ; D : 13.4 in -
Gaston Suisse (1896-1988) est un décorateur français, figure majeure du mouvement Art déco. Il dessine plusieurs décors pour les Ballets Russes à l’Opéra de Paris et des costumes pour la Comédie Française, avant de se spécialiser dans la laque. Il se distingue par son travail raffiné sur les meubles et panneaux décoratifs. Il participe notamment à de nombreuses expositions internationales, tel que l'Exposition des Arts décoratifs de 1925 à Paris. Pour ses créations, il s’inspire souvent de la faune et de la flore, qu’il représente avec précision et élégance grâce à ses croquis de voyages en Afrique. Son savoir-faire et sa maîtrise des techniques traditionnelles de la laque japonaise en font l’un des plus grands laqueurs de son temps. Couple de perruches dans les mimosas Panneau de laque gravé sur fond de laque noire ; avec son cadre-support en laque arrachée d’origine réalisé par l’artiste. Perruches et fleurs réhaussées à la poudre d’or. Cadre-support méplat en laque brune arrachée. Signé G. Suisse, à la laque rouge en bas à gauche. Dimensions H : 64,8 cm ; L : 27 cm (sans cadre) H : 71,5 cm ; L : 33 cm (avec cadre)
Gaston Suisse (1896–1988) was a French decorator and a leading figure of the Art Deco movement. He designed several stage sets for the Ballets Russes at the Paris Opera and costumes for the Comédie Française before specializing in lacquer work. He distinguished himself through his refined craftsmanship in furniture and decorative panels. He took part in numerous international exhibitions, including the 1925 Exposition of Decorative Arts in Paris. His creations were often inspired by flora and fauna, which he depicted with precision and elegance, drawing from his travel sketches made in Africa. His expertise in traditional Japanese lacquer techniques made him one of the greatest lacquer artists of his time. Couple of Parakeets in the Mimosas Engraved lacquer panel on a black lacquer background; with its original support frame made by the artist. Parakeets and flowers enhanced with gold powder. Flat support frame in distressed brown lacquer. Signed G. Suisse in red lacquer at the lower left. Dimensions H : 64.8 cm ; W : 27 cm (unframed) H : 71.5 cm ; W : 33 cm (framed) H : 25.5 in ; W : 10.6 in (unframed) H : 28.2 in ; W : 12.9 in (framed) -
Léa Lafugie (1890-1972) est une peintre qui a beaucoup voyagé à travers l’Asie. Elle est réputée pour ses portraits. Elle a étudié à l’École des Arts Décoratifs à Paris, puis à l’École des Beaux-Arts à Paris. Dotée d’un esprit aventurier et curieux, elle décide en 1925 de partir en voyage en Asie, notamment en Chine, en Inde, au Tibet, au Japon et sur la péninsule indochinoise. Elle a laissé de nombreux portraits féminins pris sur le vif lors de ses séjours. « La fumeuse d’opium » Aquarelle. Signée en bas à gauche, légendée en bas à droite. Dimensions H : 37 cm ; L : 49,5 cm (sans cadre) H : 50,5 cm ; L : 62,5 cm (avec cadre)
Léa Lafugie (1890–1972) was a painter who traveled extensively across Asia. She was renowned for her portraits. She studied at the School of Decorative Arts, followed by the École des Beaux-Arts in Paris. With an adventurous and curious spirit, she set off in 1925 on a journey through Asia, visiting countries such as China, India, Tibet, Japan, and the Indochinese Peninsula. During her travels, she created numerous spontaneous portraits of women, capturing them spontaneously. “The opium smoker” Watercolor. Signed at the bottom left, captioned at the bottom right. Dimensions H : 37 cm ; W : 49,5 cm (unframed) H : 50,5 cm ; W : 62,5 cm (framed) H : 15 in ; W : 19 in (unframed) H : 19.9 in ; W : 24.6 in (framed) -
René Joubert (1878–1931) et Philippe Petit (1900–1945) sont un duo de designers français ayant marqué le monde des arts décoratifs dans l’entre-deux-guerres. Actifs principalement dans les années 20 et 30, ils se sont distingués par un style mêlant élégance classique et modernité. Ils ont participé à plusieurs expositions internationales, dont l’Exposition des Arts Décoratifs de 1925 à Paris. Leurs œuvres ont souvent été éditées par la maison D.I.M. (Décoration Intérieure Moderne), crée par Joubert en 1918. Leur travail reflète une approche sobre et géométrique, caractéristique du mouvement Art Déco, tout en restant accessible à une clientèle bourgeoise en quête de modernité. Table à jeu portefeuille En bois laqué noir à système découvrant un plateau à jeu en velours vert et quatre cendriers en laiton Piétement quadrangulaire ouvrant par une porte donnant sur un intérieur aménagé d’acajou et terminé par une base carrée Editée par DIM (Décoration Intérieure Moderne) Circa 1930 Dimensions H : 72,5 cm ; L : 55 ; P : 55 cm (fermée) H : 72,5 cm ; L : 78,5 cm ; P : 78,5 cm (ouverte)
René Joubert (1878–1931) and Philippe Petit (1900–1945) were a duo of French designers who made a significant impact on the world of decorative arts in the interwar period. Active mainly during the 1920s and 1930s, they stood out for a style that combined classical elegance with modernity. They took part in several international exhibitions, including the 1925 Exposition des Arts Décoratifs in Paris. Their works were often produced by the D.I.M. company (Décoration Intérieure Moderne), founded by Joubert in 1918. Their creations reflect a refined, geometric approach characteristic of the Art Deco movement, while remaining accessible to a bourgeois clientele in search of modernity. Foldable Game Table Black lacquered wood with a mechanism revealing a green velvet gaming surface and four brass ashtrays Rectangular leg with a door opening onto an interior fitted in mahogany, with in a square base Produced by DIM (Décoration Intérieure Moderne) Circa 1930 Dimensions H : 72,5 cm ; L : 55 ; D : 55 cm (closed) H : 72,5 cm ; L : 78,5 cm ; D : 78,5 cm (open) H : 28.5 in ; L : 21. 7 in ; D : 21.7 in (closed) H : 28.5 in ; L : 30.9 in ; D : 30.9 in (open) -
Emile Gallé (1846-1904) est un des plus grands verriers et céramiste français du XXème siècle. Fils d’un maître verrier, il entre très tôt en contact avec le monde de l’art, et fait son apprentissage de la chimie verrière en Allemagne dans la ville de Meisenthal. Il découvre ainsi sa passion pour la faune et la flore dont il s’inspire pour ses œuvres. L’année suivante il hérite de l’entreprise de verre et céramique de son père à Nancy : « Gallé-Reinemer ». Il aura ensuite la chance de présenter ses propres œuvres à l’Exposition universelle de 1878 et celle de 1889, où il remporte de nombreux prix pour le verre, la céramique et le mobilier. En 1901, il fonde dans sa ville natale l’Ecole de Nancy. Gallé est aujourd’hui reconnu pour ses techniques innovantes tel que le verre taillé, gravé et émaillé. Deux chats en céramique jaune Chats en céramique Paire symétrique Yeux en verre intégrés Très bon état général (fel de cuisson sur le cou d’un des deux chats et minuscules éclats épars) Signés « G.R. », pour Gallé-Reinemer Circa 1880-1890 Dimensions H : 33 cm ; L : 19 cm ; P : 12 cm
Emile Gallé (1846-1904) was one of the greatest French glassmakers and ceramists of the 20th century. The son of a master glassmaker, he came into contact with the art world at an early age and learned the chemistry of glassmaking in Meisenthal, Germany. There, he discovered his passion for fauna and flora, which became a major source of inspiration for his work. The following year, he inherited his father’s glass and ceramics company in Nancy, “Gallé-Reinemer”. He later had the opportunity to present his own creations at the 1878 and 1889 World’s Fairs, where he won numerous awards for his work in glass, ceramics, and furniture. In 1901, he founded the École de Nancy in his hometown. Gallé is now recognized for his innovative techniques, such as cut, engraved, and enameled glass. Two yellow ceramic cats Ceramic cats Symmetric pair Integrated glass eyes In very good general condition (slight kiln crack and very small scattered chips) Signed “G.R.” Circa 1880-1890 Dimensions H : 33 cm ; W : 19 cm ; D : 12 cm H : 13 in ; W : 7.5 in ; D : 4.7 in -
Fernand Léger (1881-1955) était un peintre, sculpteur et cinéaste français, figure majeure de l’art moderne. Né en Normandie, il commence sa carrière influencé par l’impressionnisme avant de s’orienter vers le cubisme, qu’il réinterprète avec un style personnel plus géométrique et coloré. Marqué par l’expérience de la Première Guerre mondiale, Léger est amené à intégrer dans son œuvre des thèmes liés à la machine, à l’industrie et à la modernité. Proche des avant-gardes, il participe à de nombreux projets collectifs, dont des décors de théâtre, de ballets et même de films. Dans les années 1920 et 1930, il évolue vers un art plus figuratif, accessible et engagé. Il enseigne aux États-Unis pendant la Seconde Guerre mondiale, avant de revenir en France. Son œuvre prolifique et influente marque un tournant dans l’histoire de l’art du XXe siècle. « Maison au balcon » Aquarelle et encre de Chine sur papier. Projet de décor pour l’opéra Bolivar. Signé au dos, et inscrit « 19, Bolivar ». Avec certificat d’authenticité. 1949. L’opéra Bolivar, écrit aux Etats-Unis vers 1943 par Darius Milhaud, s’inspire du héros légendaire Simon Bolivar, surnommé « El Libertador », émancipateur des peuples d’Amérique latine du joug colonisateur espagnol. Milhaud pense immédiatement à Léger pour illustrer le livret de Jules Supervielle et concevoir les maquettes et les décors, dans une verve populaire et lyrique. La réalisation des décors est mise en œuvre par Maurice Moulène, qui a conservé les esquisses non numérotées et non utilisées pour la mise en scène définitive. Dimensions H : 26 cm ; L : 19,5 cm à vue (sans cadre) H : 38 cm ; L : 31,5 cm (avec cadre)
Fernand Léger (1881–1955) was a French painter, sculptor, and filmmaker, and a major figure in modern art. Born in Normandy, he began his career influenced by Impressionism before turning to Cubism, which he reinterpreted with a more geometric and colorful personal style. Deeply affected by his experience in World War I, Léger began incorporating themes related to machinery, industry, and modernity into his work. Closely linked to the avant-garde, he took part in many collaborative projects, including set designs for theater, ballets, and even films. During the 1920s and 1930s, he moved toward a more figurative, accessible, and socially engaged art. He taught in the United States during World War II before returning to France. His prolific and influential work marked a turning point in 20th-century art history. "House with Balcony" Watercolor and India ink on paper. Set design project for the opera Bolivar. Signed on the reverse and inscribed “19, Bolivar”. With certificate of authenticity. 1949. The opera Bolivar, written in the United States around 1943 by Darius Milhaud, is inspired by the legendary hero Simón Bolívar, known as El Libertador, who freed the peoples of Latin America from Spanish colonial rule. Milhaud immediately thought of Fernand Léger to illustrate the book by Jules Supervielle and to design the models and sets, in a popular and lyrical style. The sets were executed by Maurice Moulène, who kept the unnumbered sketches that were not used in the final stage production. Dimensions H : 26 cm ; L : 19,5 cm (unframed) H : 38 cm ; L : 31,5 cm (framed) H : 26 in ; W : 19.5 in (unframed) H : 15 in ; W : 12.4 in (framed) -
Charles Kvapil (1884-1957) était un peintre belge d’origine autrichienne, reconnu pour ses œuvres post-impressionnistes aux accents fauves. Né à Anvers, il étudie à l’Académie royale des beaux-arts d’Anvers puis à l’Académie Julian à Paris. Influencé par les maîtres impressionnistes et les courants modernes du début du XXe siècle, Kvapil développe un style personnel marqué par des couleurs vibrantes et une touche expressive. Il se spécialise dans les scènes de nus féminins, les portraits et les paysages, souvent baignés d'une lumière chaude et méditerranéenne. « Femme nue tenant un drapé jaune dans un paysage » Huile sur toile. Signée en bas à gauche. Circa 1930. Dimensions H : 91 cm ; L : 72 cm (sans cadre) H : 121,5 cm ; L : 102 cm (avec cadre)
Charles Kvapil (1884–1957) was a Belgian painter of Austrian origin, known for his post-Impressionist works with Fauvist influences. Born in Antwerp, he studied at the Royal Academy of Fine Arts in Antwerp and later at the Académie Julian in Paris. Influenced by the Impressionist masters and the modern movements of the early 20th century, Kvapil developed a personal style characterized by vibrant colors and expressive brushwork. He specialized in scenes of female nudes, portraits, and landscapes, often bathed in warm, Mediterranean light. "Nude Woman Holding a Yellow Drape in a Landscape" Oil on canvas. Signed lower left. Circa 1930s. Dimensions H : 91 cm ; W : 72 cm (unframed) H : 121,5 cm ; W : 102 cm (framed) H : 35.8 in ; W : 28.3 in (unframed) H : 47.8 in ; W : 40.2 in (framed) -
Maurice Picaud, dit Pico (1900-1977) est un architecte, décorateur et peintre français formé à l'École Boulle. Collaborateur de Jacques-Émile Ruhlmann, il s'est également illustré comme caricaturiste de presse. Parmi ses œuvres ancrées dans l'Art Déco, on compte la célèbre façade des Folies Bergère à Paris (1926), représentant la danseuse russe Lila Nikolska. Il a également réalisé des peintures murales pour l'hôtel de ville de Montdidier dans les années 1930. “Danseuse nue” Réduction de la façade des Folies Bergère. Bas-relief en stuc doré. Cadre en bois noirci. Tirage posthume. Dimensions H : 59 cm ; L : 56,5 cm ; P : 4,5 cm Maurice Picaud, known as Pico (1900-1977), was a French architect, decorator, and painter trained at the École Boulle. A collaborator of Jacques-Émile RUHLMANN, he also made a name for himself as a press caricaturist. Among his works rooted in the Art Deco movement, the most famous is the façade of the Folies Bergère in Paris (1926), depicting the Russian dancer Lila Nikolska. He also created murals for the Montdidier town hall in the 1930s. “Nude dancer” Reduced version of the Folies Bergère façade. Gilded stucco bas-relief. Blackened wood. Posthumous edition. Dimensions H : 59 cm ; W : 56,5 cm ; P : 4,5 cm H : 23.2 in ; W : 22.2 in ; D : 1.8 in