Peintures / Dessins — Paintings/Drawings – Page 2

Marcel GROMAIRE (1892-1971), nu d’une femme

4000,00€
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Marcel Gromaire (né le 24 juillet 1892 à Noyelles-sur-Sambre ; mort le 11 avril 1971 à Paris) était un peintre, graveur, décorateur, illustrateur et cartonnier français. Gromaire a laissé environ une centaine de carnets de différentes tailles, contenant tout, des simples croquis au trait aux dessins plus détaillés, dont certains sont devenus de petits tableaux en noir et blanc.

Dessin à la plume et encre de chine sur vélin.

Signé Gromaire et daté 56 en bas à gauche.

Dimensions : H : 33 cm ; L : 25 cm (sans cadre) H : 49,3 cm ; L : 40,3 cm (avec cadre) Pour plus d'informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Marcel GROMAIRE _______________________________________________ Marcel Gromaire (born July 24, 1892, in Noyelles-sur-Sambre; died April 11, 1971, in Paris) was a French painter, engraver, decorator, illustrator, and cardboard artist. Gromaire left behind about a hundred notebooks of various sizes, containing everything from simple line sketches to more detailed drawings, some of which became small black-and-white paintings.

Ink drawing.

Signed and dated 'Gromaire 1956' on the bottom left.

Dimensions : (without frame)

H : 12.99 in W : 9.84 in/H : 33 cm W : 24 cm

Dimensions : (with frame)

H : 19.29 in W : 15.75 in D : 1.18 in/H : 49 cm W : 40 cm D : 3 cm

For more information : Marcel GROMAIRE
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Leonid FRECHKOP (1897–1982), «Nu au manteau de fourrure»

45000,00€
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Leonid Frechkop (1897–1982), peintre et critique d'art, est une figure majeure de l'art russe et belge. Né le 6 novembre 1897 à Moscou, il se forme auprès de maîtres renommés à l'École de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou. Après avoir quitté l'URSS en 1921, il s'installe définitivement en Belgique en 1922, où il travaille comme décorateur de théâtre et fréquente les cercles intellectuels et artistiques, notamment Paul Delvaux.

Ses œuvres s'inspirent de ses nombreux voyages, de la Provence aux monts Taurus en Turquie, avec un séjour marquant en Argentine en 1935. Traducteur de poésie russe et auteur d'articles sur l'art belge, Frechkop incarne le dialogue entre création artistique et réflexion critique.

Huile sur toile.

Signé en bas à gauche.

Tableau rentoilé.

Restauration : quelques repeints localisés (haut du corps, jambes)

Dimensions H : 70 cm L : 51 cm _________________________________________________________________ Leonid Frechkop (1897–1982), painter and art critic, is a significant figure in Russian and Belgian art. Born on November 6, 1897, in Moscow, he trained under renowned masters at the Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture. After leaving the USSR in 1921, he settled permanently in Belgium in 1922, where he worked as a theater decorator and mingled with intellectual and artistic circles, including Paul Delvaux. His works draw inspiration from his extensive travels, from Provence to the Taurus Mountains in Turkey, with a notable stay in Argentina in 1935. A translator of Russian poetry and author of articles on Belgian art, Frechkop embodies the dialogue between artistic creation and critical reflection.

Oil on canvas.

Signed lower left.

Relined canvas.

Restoration: some localized touch-ups (upper body, legs).

Dimensions H: 70 cm W: 51 cm/H: 27.56 in W: 20.08 in
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Léon BAKST, étude de costume perse pour le ballet « Aladin ou la Lampe merveilleuse », 1919

25000,00€

Superbe étude de costume de Ballets Russes par Léon Bakst (1866-1924) datée de 1919. Ce tableau a été réalisé par Léon Bakst, peintre, illustrateur, mais aussi costumier des Ballets Russes de 1909 à 1921. Il créa des costumes d'inspiration orientale et antique comme le montre cette étude présentant un costume perse pour Aladin ou La lampe merveilleuse. Cette étude a été produite pour la revue de Georges-Gabriel Thenon (Rip). L'œuvre a été réalisée avec de la gouache et du graphite sur papier vergé. Elle provient de la collection de la famille d'Armand-Albert Rateau dont le cachet figure au revers du montage avec le numéro d'inventaire. L'œuvre est signée "Bakst" en partie inférieure à droite. La peinture est vendue avec son cadre original orné de miroirs. Une deuxième peinture ( étude de costume d'Archer) peinte par Bakst de même cadre, taille et provenance est proposée, cela pourrait constituer une magnifique paire. Taille : 26.4 x 17 cm Pour plus d'informations sur Léon Bakst, cliquez ici.
Beautiful study of a ballet costume by Léon Bakst (1866-1924) from 1919. This painting was created by Léon Bakst, painter, illustrator and costume designer for the Russian Ballets from 1909 to 1921. He designed costumes inspirated by oriental and ancient themes, as seen in this study depicting a Persian costume for "Aladin ou la lampe merveilleuse" ("Aladdin and the Wonderful Lamp"). This study was published in Georges-Gabriel Thenon's (Rip) magazine. The artwork was made with gouache and graphite on laid paper. It comes from the famous Rateau family's collection and their stamp is located on the back of the mounting along with an inventory number. The signature "Bakst" is on the lower part on the right. Size : 10.4 x 6.7 inches/26.4 x 17 cm The painting is sold with its old and beautiful frame decorated with mirrors. A second costume design (Archer costume) by Bakst in a similar size, same frame and same provenance is also proposed ; this could constitute a beautiful pair. For more information about Léon Bakst, click here.

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Léon BAKST, étude de costume d’Archer pour le ballet « Le Martyre de Saint Sébastien », 1911

15000,00€

Superbe étude de costume de Ballets Russes par Léon Bakst (1866-1924) signée et datée de 1911. Ce tableau a été réalisé par Léon Bakst, peintre, illustrateur, mais aussi costumier des Ballets Russes de 1909 à 1921. Il créa des costumes d'inspiration orientale et antique comme le montre cette étude présentant un costume d'archer pour le ballet le Martyre de Saint Sébastien. L'œuvre a été réalisée avec de la gouache et du graphite sur papier vergé. Elle provient de la collection de la famille d'Armand-Albert Rateau dont le cachet figure au revers du montage avec le numéro d'inventaire. L'œuvre est signée "Bakst" en partie inférieure à droite. La peinture est vendue avec son cadre original orné de miroirs. Une deuxième peinture ( étude de costume d'Aladin) peinte par Bakst de même cadre, taille et provenance est proposée, cela pourrait constituer une magnifique paire. Taille : 26.4 x 18.2 cm Pour plus d'informations sur Léon Bakst, cliquez ici.
Beautiful study of a ballet costume by Léon Bakst (1866-1924) signed and dated 1911. This painting was created by Léon Bakst, painter, illustrator and costume designer for the Russian Ballets from 1909 to 1921. He designed costumes inspirated by oriental and ancient themes, as seen in this study depicting an archer costume for le "Martyr de Saint Sébastien" ("The Martyrdom of Saint Sebastian") in 1911. The artwork was made with gouache and graphite on laid paper. It comes from the Rateau family's collection and their stamp is located on the back of the mounting along with an inventory number. The signature "Bakst" is on the lower part on the right. Size : 10.4 x 7.17 inches/26.4 x 18.2 cm The painting is sold with its old and beautiful frame decorated with mirrors. A second costume design (Aladdin costume) by Bakst in a similar size, same frame and same provenance is also proposed ; this could constitute a beautiful pair. For more information about Léon Bakst, click here.

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Léon BAKST (1866-1924), danseuse au foulard, aquarelle sur papier, 1910

33000,00€
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Dimensions : 39 x 61,5 cm à vue (cadre : 54 x 76 x 2 cm) Cette aquarelle sur papier présente une danseuse avec une jupe longue et évasée aux motifs végétaux, un haut asymétrique dévoilant le ventre, et des accessoires ornés de motifs floraux et géométriques. Cette œuvre illustre l'influence avant-gardiste et l'élégance mystique de Léon Bakst. Peintre et décorateur russe, Bakst a révolutionné la scénographie au début du XXe siècle avec ses créations pour les Ballets Russes de Diaghilev, telles que Shéhérazade et L’Après-midi d’un faune. Dès les années 1910, le style Bakst s’impose à Paris, Londres, Monte-Carlo et New York. Comme l’écrit Jean Cocteau : « Le triomphe de Léon Bakst vint balayer nos scènes et substituer à la poussière grise une poussière nouvelle, poussière d’or et de vives couleurs. » Son influence se fait encore sentir dans le milieu de la haute couture et continue, jusqu’à nos jours, à inspirer des créateurs tels qu’Yves Saint Laurent, Christian Lacroix, John Galliano pour Dior, et Karl Lagerfeld pour Chloé. Pour Bakst, la mode et l’Art marchent ensemble. Signé en bas à droite. L’état de conservation de l’aquarelle est bon comportant néanmoins quelques petits trous, petites tâches et des restaurations. Liste des restaurations :

nettoyage

doublage sur papier japonais

petite restauration au visage

aplanissement

_________________________ Aquarelle on paper depicting a dancer with a long, flared skirt adorned with botanical patterns, an asymmetrical top revealing the midriff, and accessories embellished with floral and geometric motifs. This work illustrates Léon Bakst's avant-garde influence and mystical elegance. A Russian painter and decorator, Bakst revolutionized scenography in the early 20th century with his creations for Diaghilev's Ballets Russes, such as "Shéhérazade" and "L'Après-midi d'un faune". By the 1910s, Bakst's style had taken hold in Paris, London, Monte Carlo, and New York. As Jean Cocteau wrote: “The triumph of Léon Bakst swept away our stages and replaced the gray dust with a new dust, dust of gold and vivid colors.” His influence continues to be felt in the world of high fashion and continues to inspire creators such as Yves Saint Laurent, Christian Lacroix, John Galliano for Dior, and Karl Lagerfeld for Chloé. For Bakst, fashion and Art walk hand in hand. Signed in the lower right corner. The condition of the watercolor is good, though it has a few small holes, minor stains, and some restorations. List of restorations:

cleaning

backing with Japanese paper

minor restoration to the face

flattening
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Léa LAFUGIE (1890-1972), gouache d’une femme et d’un enfant tibétains

2200,00€
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Léa Lafugie est une peintre qui a beaucoup voyagé à travers l'Asie. Elle est réputée pour ses portraits. Elle a étudié à l'École des Arts Décoratifs à Paris, puis à l'École des Beaux-Arts à Paris. Dotée d'un esprit aventurier et curieux, elle décide en 1925 de partir en voyage en Asie, notamment en Chine, en Inde, au Tibet, au Japon et sur la péninsule indochinoise. Elle a peint des paysages et des portraits lors de ses séjours. Cette gouache représentant une femme et un enfant tibétains, capture une expression faciale de méfiance et paradoxalement de réconfort marquée par ses couleurs et les tissus qui emmitouflent les tibétaines.

La signature se trouve en bas vers la droite.

Datation : entre 1925-1930, dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie.

Dimensions H : 32 cm L : 25.5 cm __________________________________________________ Léa Lafugie is a painter who has travelled extensively throughout Asia. She is renowned for her portraits. She studied at the Ecole des Arts Décoratifs in Paris, then at the Ecole des Beaux-Arts in Paris. Endowed with an adventurous and curious nature in 1925 she decided to travel to Asia, including China, India, Tibet, Japan and the Indochinese peninsula. She painted landscapes and portraits during her stays.

Signed at the bottom right.

Dating: between 1925-1930, dates when Léa Lafugie went to Asia.

Dimensions H : 32 cm L : 25.5 cm/H: 12.6 in L: 10.04 in
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Léa LAFUGIE (1890-1972), aquarelle d’un enfant et d’une femme « Ta Moc »

2200,00€
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Léa Lafugie est une peintre qui a beaucoup voyagé à travers l'Asie. Elle est réputée pour ses portraits. Elle a étudié à l'École des Arts Décoratifs à Paris, puis à l'École des Beaux-Arts à Paris. Dotée d'un esprit aventurier et curieux, elle décide en 1925 de partir en voyage en Asie, notamment en Chine, en Inde, au Tibet, au Japon et sur la péninsule indochinoise. Elle a peint des paysages et des portraits lors de ses séjours.

Signée en bas à droite.

Datation : entre 1925-1930, dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie.

Dimensions H : 32.5 cm L : 24.5 cm ________________________________ Léa Lafugie is a painter who has travelled extensively throughout Asia. She is renowned for her portraits. She studied at the Ecole des Arts Décoratifs in Paris, then at the Ecole des Beaux-Arts in Paris. Endowed with an adventurous and curious nature in 1925 she decided to travel to Asia, including China, India, Tibet, Japan and the Indochinese peninsula. She painted landscapes and portraits during her stays.

Signed at the bottom right.

Dating: between 1925-1930, dates when Léa Lafugie went to Asia.

Dimensions H : 32.5 cm L : 24.5 cm/H : 12.8 in W : 9.65 in
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Léa LAFUGIE (1890-1972), portrait d’une jeune Cambodgienne

5100,00€
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Léa Lafugie est une peintre française née à Paris, connue pour ses portraits et paysages issus de ses voyages. Elle étudie à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs de Paris, puis à l’Académie des Beaux-Arts et commence sa carrière en exposant au Salon des Artistes Indépendants. Passionnée depuis son plus jeune âge par les récits de voyages et d’aventures,elle décide de partir dès 1924 en Afrique du Nord, puis en 1925 en Asie. Elle séjourne en Inde, en Birmanie, au Tibet, puis dans la péninsule indochinoise et en extrême Orient. Durant ces voyages, elle ne cesse de peindre et de représenter ce qu’elle découvre et les personnes qu’elle rencontre. Ce portrait a été réalisé lors d’un voyage au Cambodge, il représente une jeune fille concentrée sur son ouvrage. De ce portrait émane une grande douceur et sérénité.

Cette huile sur panneau de bois qui provient de la célèbre collection Jean-Paul Gérard-Pau, signée en bas à gauche.

Datation : entre 1925-1930, les dates où Léa Lafugie s’est rendue en Asie.

Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm

_________________________________________________________________________ Léa Lafugie was a French painter born in Paris, known for her portraits and landscapes inspired by her travels. She studied at the National School of Decorative Arts in Paris and later at the Academy of Fine Arts, beginning her career by exhibiting at the Salon des Artistes Indépendants. Passionate about travel and adventure from a young age, she decided to embark on a journey in 1924 to North Africa and then in 1925 to Asia. She stayed in India, Burma, Tibet, the Indochinese peninsula, and the Far East. Throughout these travels, she continued to paint the sights and people she encountered. This oil painting on a wooden panel was painted during a journey to Cambodia. It depicts a young girl focused on her work. In this portrait, we can perceive a profound sense of softness and tranquility.

Dating: between 1925-1930, the period when Léa Lafugie traveled to Asia.

This oil on board comes from the renowned collection of Jean-Paul Gérard-Pau. Signed Lafugie.

Dimensions : H : 33 L : 23.5 cm / H : 13 L : 9.25 inches
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Joseph de la NÉZIÈRE (1873-1944), affiche de L’Exposition Coloniale Internationale de Paris

7000,00€
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AVIS : En vendant cette œuvre, nous ne soutenons pas le concept de colonialisme. Malheureusement, le colonialisme fait partie intégrante de l'histoire et est devenu un thème majeur dans l'art de cette époque. Cette belle image ne contient pas de connotation raciste, que ce soit de manière visible ou à la lumière de l'histoire de l'artiste. Joseph Daviel de La Nézière était un peintre et illustrateur français qui a travaillé avec le ministère des Colonies. Il a fait sa première exposition au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts en 1897. Il a voyagé largement, créant des croquis et des peintures inspirés par des pays comme l'Italie, le Sénégal et le Japon. En 1919, il a contribué à revivre l'artisanat local au Maroc, produisant plus de 300 tapis. Il a également conçu des panneaux décoratifs pour le paquebot Normandie et a participé à l'Exposition universelle de 1939-1940 à New York. La Nézière est décédé à Casablanca le 15 avril 1944 et est enterré au cimetière de Passy à Paris.

Affiche lithographique de l'Exposition Coloniale Internationale de Paris de 1931.

Imprimée par De Vaugirard, Paris.

Dimensions H : 120,5 cm L : 80,5 cm Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Joseph de la NEZIERE
DISCLAIMER: In selling this piece, we do not support the concept of colonialism. Unfortunately, colonialism is a significant part of history and has become a prominent theme in the art of that era. This beautifully executed image does not contain any racist connotations, either visibly or in light of the artist's history. Joseph Daviel de La Nézière was a French painter and illustrator who worked with the Ministry of Colonies. He first exhibited at the Salon of the Société Nationale des Beaux-Arts in 1897. He traveled extensively, creating sketches and paintings inspired by countries like Italy, Senegal, and Japan. In 1919, he helped revive local craftsmanship in Morocco, producing over 300 carpets. He also designed decorative panels for the ocean liner Normandie and participated in the 1939-1940 World's Fair in New York. La Nézière passed away in Casablanca on April 15, 1944, and is buried in Passy Cemetery, Paris.

Lithographic poster for the International Colonial Exhibition of Paris, from 1931.

Printed by De Vaugirard, Paris.

Dimensions

H : 120.5 cm W : 80.5 cm/H: 47.44 in W: 31.69 in

For more information : Joseph de la NEZIERE
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Jean POUGNY né Iwan Albertovich PUNI (1890–1956) « L’As de Trèfle », 1915

30000,00€
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Iwan Albertovich Puni (également connu sous le nom de Jean Pougny) était un artiste avant-gardiste russe (Suprematisme, Cubo-Futurisme) et français. Il a évolué vers le Primitivisme lyrique, influencé par Pierre Bonnard et Édouard Vuillard. Après une exposition au Salon des Indépendants en 1910 à Paris, où il découvre le fauvisme et le cubisme, Puni rentre en Russie et rejoint le groupe avant-gardiste de l'Union de la Jeunesse, où il se lie avec Mayakovski et Velimir Khlebnikov. Lors de son exposition futuriste en mars 1915, il présente onze œuvres cubistes et un relief intitulé « Joueurs de cartes », disparu depuis. Cette peinture, qui poursuit le thème de l'œuvre perdue et de « L’As de Carreau », également présentée par notre galerie, offre une vue constructiviste d'un jeu de cartes.

Le texte en cyrillique signifie « l’As de Trèfle ».

Huile sur carton, encadrée, signée en bas à droite et datée « 1915 » au dos

Nombreuses annotations au dos : en russe le nom du peintre, le titre «L’As de Trèfle » , la date , une étiquette ancienne en anglais (collection où galerie), un cachet des Archives de l’état russe

Accompagnée d'un certificat d'authenticité par l’expert Jean CHAUVELIN en date de 12 /01/2024

Dimensions sans cadre : H : 29 cm L : 20 cm Avec le cadre : H : 34 cm L : 25 cm P : 1 cm ______________________________ Iwan Albertovich Puni (also known as Jean Pougny) was a Russian avant-garde artist (Suprematism, Cubo-Futurism) who later became French. He evolved towards Lyric Primitivism, influenced by Pierre Bonnard and Édouard Vuillard. After an exhibition at the Salon des Indépendants in 1910 in Paris, where he discovered Fauvism and Cubism, Puni returned to Russia and joined the avant-garde group Union of Youth, where he became associated with Mayakovsky and Velimir Khlebnikov. At his Futurist exhibition in March 1915, he presented eleven Cubist-inspired works and a relief titled "Card Players," which has since disappeared. This painting, which continues the theme of the lost piece and "The Ace of Diamonds", also presented by our gallery, offers a Constructivist view of a card game.

The text in Cyrillic translates to "The Ace of Clubs."

Oil on cardboard, framed, signed at the bottom right and dated "1915" on the back

Numerous annotations on the back: in Russian, the artist's name, the title "The Ace of Clubs," the date, an old English label (collection or gallery), and a stamp from the Russian State Archives

Accompanied by a certificate of authenticity from expert Jean Chauvelin, dated 12/01/2024

Dimensions without frame: H: 29 cm W: 20 cm With frame: H: 34 cm W: 25 cm D: 1 cm
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Jean POUGNI né Iwan Albertovich PUNI (1890-1956), « L’As de Carreau » , 1915

30000,00€
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Iwan Albertovich Puni (également connu sous le nom de Jean Pougny) était un artiste russe avant-gardiste (Suprématisme, Cubo-Futurisme) devenu français, dont le style a évolué vers le Primitivisme lyrique dans la direction de Pierre Bonnard et Édouard Vuillard. Après son exposition au Salon des Indépendants (1910) lors de son premier séjour à Paris, où il découvre le fauvisme et le cubisme, Puni retourne en Russie et rejoint le groupe avant-gardiste de l'Union de la Jeunesse, où il se lie avec Mayakovski et Velimir Khlebnikov. Lors de son exposition futuriste en mars 1915, il présente onze de ses œuvres d'inspiration cubiste, ainsi qu'un relief « Joueurs de cartes », disparu depuis. Cette peinture, qui poursuit le thème de l'œuvre perdue et de « l’As de Trèfle », également présentée par notre galerie, représente le jeu de « Whist », un jeu de cartes classique anglais. Puni décompose l'univers des cartes, fasciné par les formes et les couleurs du jeu. Peinture typique de l’ avant-garde russe dans le style cubo-futuriste.

Huile sur carton encadrée, signée en bas à droite et datée « 1915 » au dos

Nombreuses annotations au dos : en russe le nom du peintre, le titre «L’As de Carreau » , la date , une étiquette ancienne en anglais (collection où galerie), un cachet des Archives de l’état russe

Accompagnée d'un certificat d'authenticité par l’expert Jean CHAUVELIN en date de 18 /01/2024

Dimensions sans cadre : H : 29 cm L : 23 cm Avec le cadre : H : 36 cm L : 30 cm P : 2 cm _____________________________ Iwan Albertovich Puni (also known as Jean Pougny) was a Russian avant-garde artist (Suprematism, Cubo-Futurism) who later became French. His style evolved towards Lyric Primitivism, influenced by Pierre Bonnard and Édouard Vuillard. After his exhibition at the Salon des Indépendants in 1910 during his first stay in Paris, where he discovered Fauvism and Cubism, Puni returned to Russia and joined the avant-garde group Union of Youth, where he became associated with Mayakovsky and Velimir Khlebnikov. At his Futurist exhibition in March 1915, he presented eleven Cubist-inspired works, along with a relief titled "Card Players," which has since disappeared. This painting, which continues the theme of the lost piece and "The Ace of Clubs", also presented by our gallery, depicts the game of "Whist," a classic English card game. Puni deconstructs the world of cards, fascinated by the shapes and colors of the deck. This is a typical example of Russian avant-garde painting in the Cubo-Futurist style.

Oil on cardboard, framed, signed at the bottom right and dated "1915" on the back.

Numerous annotations on the back: in Russian, the artist's name, the title "The Ace of Diamonds," the date, an old English label (collection or gallery), and a stamp from the Russian State Archives.

Accompanied by a certificate of authenticity from expert Jean Chauvelin, dated January 18, 2024.

Dimensions without the frame : H : 29 cm L : 23 cm With the frame : H : 36 cm W : 30 cm D : 2 cm
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Jean LE MAYEUR DE MEPRES (1880-1958), femmes à Bali, circa 1940

15000,00€
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L'œuvre est typique de Le Mayeur de Merpres, peintre belge, qui a représenté de nombreuses scènes de la vie quotidienne à Bali dans les années 1930-1940. Il était marié à une femme indonésienne, Ni Pollok. Le Mayeur est arrivé à Bali, à Singaraja, en 1932. Il a ensuite séjourné à Denpasar, où il a été fasciné par ce qui restait alors de la culture balinaise, y compris le mode de vie traditionnel des habitants, les rituels des temples et les danses locales. Il a également été impressionné par la lumière, les couleurs et la beauté des paysages de l'île, encore relativement préservée à l'époque.

L'œuvre est réalisée en technique mixte sur papier.

Vers les années 1940.

L'œuvre est signée en bas à gauche.

Dimensions H : 53 cm L : 38 cm (non encadrée) H : 70,5 cm L : 55,1 cm (encadrée) H : 20,87 in L : 14,97 in (non encadrée) H : 27,76 in L : 21,74 in (encadrée)

The work is typical of Le Mayeur de Merpres, a Belgian painter, who represented many scenes of everyday life in Bali in the 30s-40s, married to an Indonesian woman Ni Pollok. Le Mayeur came to Bali at Singaraja in 1932. He then stayed in Denpasar and was fascinated by what remained then of Balinese culture, including the people's traditional way of life, the temple rituals and local dances. He was also impressed by the light, color and beauty of the surroundings in the then still quite unspoilt island.

Mixed technique on paper.

Circa 1940s.

Signed at lower left.

Dimensions H: 53 cm W: 38 cm (unframed) H: 70.5 cm W: 55.1 cm (framed) H: 20.87 in W: 14.97 in (unframed) H: 27.76 in W: 21.74 in (framed)
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Jean – Gabriel DOMERGUE (1889 – 1962), « Elégante à l’ombrelle et au chien »

8000,00€
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Info
Jean-Gabriel Domergue, fut un peintre et graveur français renommé, particulièrement pour ses portraits de femmes élégantes ou plutôt pour un personnage féminin dans un style qui s’est affirmé au fil du temps, clairement reconnaissable et marqué par l'Art Déco. Petit-cousin de Toulouse-Lautrec, il a étudié aux Beaux-Arts de Paris et a exposé dès 1906 au Salon des artistes français, où il a remporté plusieurs distinctions, dont un deuxième grand prix de Rome en 1913. En 1939, il a réalisé l'affiche iconique du premier Festival de Cannes, finalement annulé, montrant une femme applaudissant aux côtés d’un homme en habit. En 1950, il a été élu à l’Institut de France et est devenu conservateur du musée Jacquemart-André, où il organisait des grandes expositions.

Technique mixte (crayon, fusain, aquarelle et gouache).

Signé en bas à droite et daté 1924.

Papier légèrement insolé, petits pliures sur les bordures, quelques taches.

Encadré sous verre.

H : 49.5 cm L : 31.5 cm (à vue)
Jean-Gabriel Domergue (1889–1962) was a renowned French painter and engraver, celebrated especially for his portraits of elegant women or, more precisely, a feminine figure in a style that evolved over time, clearly recognizable, marked by Art Deco. A distant cousin of Toulouse-Lautrec, he studied at the École des Beaux-Arts in Paris and began exhibiting at the Salon des Artistes Français as early as 1906, where he earned several distinctions, including a second Grand Prix de Rome in 1913. In 1939, he created the iconic poster for the inaugural Cannes Film Festival, which was ultimately canceled, depicting a woman applauding beside a man in formal attire. In 1950, he was elected to the Institut de France and became the curator of the Jacquemart-André Museum, where he organized major exhibitions.

Mixed media (pencil, charcoal, watercolor, and gouache).

Signed lower right and dated 1924.

Paper slightly faded, small creases along edges, some spots.

Framed under glass.

H: 49.5 cm W: 31.5 cm/ H: 19.5 in W: 12.4 in (at sight)
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Jacques NAM, 3 chats siamois

Jacques Nam (1881-1974) Trois chats siamois Huiles sur panneau Signée Année 30 Dimensions : H : 61.5 cm ; L : 48.5 cm Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur son nom : Jacques Nam
Three siamese cats by Jacques Nam (1881-1974) Oil on paned Signed 1930s Dimensions : H : 24.22 in ; W : 19.1 in H : 61.5 cm ; W : 48.5 cm For more informations : Jacques Nam

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Ivan Da SILVA-BRUHNS, « Mzimou », huile sur panneau, Art Déco, 1927, France

Huile sur panneau (contreplaqué) d'Ivan da Silva-Bruhns (1881-1989), titrée "Mzimou" et annotée au dos, signée en bas à gauche, datée 1927 en bas à droite. Dimensions : avec cadre : 54,5x63x2cm, sans cadre : 38x46cm. Mzimou est un terme générique désignant un esprit ou une divinité favorable dans la région du lac Tanganika à qui la population locale avait l'habitude de présenter des offrandes pour se protéger notamment des maladies. Ivan da Silva Bruhns a réinventé l'art du design de tapis dans les années 20 et l'a adapté au style art déco. Son travail est influencé par les tapis géométriques ethniques berbères (Afrique du Nord, Maroc notamment). A partir de 1925, il dirige une galerie rue de l'Odéon à Paris puis à partir de 1930 rue du Faubourg Saint-Honoré. Il réalise de nombreux tapis pour les ambassades, les monuments nationaux, les plus grands paquebots comme le Normandie, l'Ile de France etc. De la célèbre Exposition de 1925 est né un grand maître de l'art du tapis largement reconnu. De 1922 à 1936, il travaille beaucoup pour Jules Leleu et ses travaux de décoration de luxe pour des clients prestigieux. Ses huiles sont rares et très recherchées. Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Ivan DA SILVA-BRUHNS
"Mzimou" Oil on Panel by Ivan Da Silva-Bruhns, Art Deco, 1927, France Oil on panel (plywood) by Ivan da Silva-Bruhns (1881-1989), titled "Mzimou" and annotated on the back, signed bottom left corner, dated 1927 bottom right corner. Dimensions: with frame: 54.5x63x2cm, without frame: 38x46cm. Mzimou is generic term for a favourable spirit or divinity in the lake Tanganika region to whom local population used to present offerings to get protection in particular from illnesses. Ivan da Silva Bruhns reinvented the art of carpet design in the 20's and adapted it to the art deco style. His work is influenced by the geometric berber ethnic carpets (North Africa, Morocco in particular). From 1925, he runs a gallery rue de l’Odéon in Paris then from 1930 rue du Faubourg Saint-Honoré. He produced numerous carpets for embassies, national monuments, the greatest steamers like the Normandy, the Ile de France etc. From the famous 1925 Exhibition a great master of the carpet art was born and widely recognized. From 1922 until 1936 he works a lot for Jules Leleu and his luxury decoration work for prestigious clients. His oils are rare and very much sought after. For more informations : Ivan DA SILVA-BRUHNS

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Henri PFEIFFER (1907-1994), baraques sous un feu d’artifices,1928

3000,00€
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Henri Pfeiffer intègre le Bauhaus à l’âge de 17 ans, où il devient élève de Paul Klee. Il réalise de nombreuses œuvres abstraites avec une vision renouvelée de l’utilisation et de la perception des couleurs. Dès son plus jeune âge, Pfeiffer étudie intensivement la chimie des pigments sous la direction de son oncle. En 1933, lorsque le Bauhaus est interdit, il est arrêté par la Gestapo mais parvient à être libéré grâce à l’intervention de ses parents. Par la suite, il abandonne la peinture mais conserve une passion profonde pour les couleurs, devenant un ophtalmologue renommé, spécialisé dans la perception des couleurs. Après s’être installé en France, Pfeiffer écrit un livre sur le sujet dans les années 1950. Son parcours, de peintre avant-gardiste à scientifique obsédé toute sa vie par la compréhension de la perception des couleurs, est remarquable. Il suit les principes éthiques et philosophiques du Bauhaus, qui prônaient l’intégration de l’art, de la science et de l’industrie.

Aquarelle et pastel sur papier.

Monogrammé "HP" et daté (19)28 dans le coin inférieur droit.

Accompagné d'un message manuscrit au dos écrit par Pfeiffer lui-même : « Cette aquarelle signée HP 28 est originale de mon époque Bauhaus », signé « Ancien élève de Paul Klee ».

Dimensions H : 46 cm L : 33,5 cm (sans cadre) H : 61 cm L : 49,3 cm (avec cadre) Pour plus d'informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Henri PFEIFFER
Henri Pfeiffer joined the Bauhaus at the age of 17, where he became a student of Paul Klee. He created numerous abstract works with a renewed vision of color use and perception. From a young age, Pfeiffer studied the chemistry of pigments intensively under the guidance of his uncle. In 1933, when the Bauhaus was banned, he was arrested by the Gestapo but was successfully released thanks to the intervention of his parents. After this, he abandoned painting but remained deeply passionate about color, eventually becoming a renowned ophthalmologist specializing in color perception. After moving to France, Pfeiffer wrote a book on the subject in the 1950s. His journey, from avant-garde painter to scientist with a lifelong obsession with color perception, is a remarkable story. It is in line with the ethical and philosophical principles of Bauhaus, which emphasized the integration of art, science, and industry.

Watercolor and pastel on paper.

Monogrammed HP and dated (19)28 in the bottom right corner.

Comes with a message on the back written by Pfeiffer himself : "Cette aquarelle signée HP 28 est originale de mon époque Bauhaus" ie "This watercolor signed HP 28 is original and dates back to my time at the Bauhaus", signed "Ancien élève de Paul Klee" ie "Former student of Paul Klee".

Dimensions

H : 46 cm L : 33,5 cm/ H : 18.1 in W : 13.2 in (without frame) H : 61 cm L : 49,3 cm/H : 24 in L : 19.4 in (with frame)

For more information : Henri PFEIFFER
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Gustave BRISGAND (1867-1944), portrait d’une femme portant le voile

6000,00€
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Gustave Brisgand (1867-1944) a commencé sa carrière artistique en se concentrant sur les paysages. Cependant, il s'est ensuite spécialisé dans les portraits de personnalités notables, de femmes et de nus féminins. L'une de ses œuvres remarquables est ce dessin réalisé au fusain, à la craie et au pastel, représentant le portrait d'une femme ornée d'un voile. Ce modèle particulier apparaît dans plusieurs des créations de Brisgand, illustrant sa fascination pour la beauté et la grâce féminines.

Il s'agit probablement de l'épouse du Maharaja de Kapurthala.

Vers 1920.

Fusain, craie et pastel sur papier.

Dimensions : H : 59 cm L : 90 cm (sans cadre) H : 62 cm L : 93 cm P : 2 cm (avec cadre) H : 20,87 in L : 20,87 in (sans cadre) H : 29,53 in L : 29,14 in (avec cadre) _____________________________________ Gustave Brisgand (1867-1944) began his artistic career by focusing on landscapes. However, he later specialized in portraits of notable personalities, women, and female nudes. One of his remarkable works is this drawing created with charcoal, chalk, and pastel, featuring a portrait of a woman adorned with a veil. This particular model appears in several of Brisgand's creations, showcasing his fascination with feminine beauty and grace.

Presumably represents the wife of the Maharaja of Kapurthala.

Circa 1920.

Charcoal, chalk and pastel on paper.

Dimensions H: 59 cm W: 90 cm (unframed) H: 62 cm W: 93 cm D: 2 cm (framed) H: 20.87 in W: 20.87 in (unframed) H: 29.53 in W: 29.14 in (framed)
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Georges CAPON, exposition coloniale de Marseille

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Georges CAPON (1890-1980) Affiche lithographique non entoilée de l'Exposition Coloniale de Marseille de 1922. Indochine. Imprimée par Edia. Très bon état, marges légèrement froissées, couleurs vives et fraîches. Dimensions : H : 120,8 cm; L : 80,4 cm
National Colonial Exhibition of Marseille, by Georges Capon (1890-1980) Lithographic poster for the National Colonial Exhibition of Marseille, from 1922. Printed by Edia. Very good state, slightly creased margins, bright and fresh colours.
Dimensions :

H : 120,8 cm ; W : 80,4 cm

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G. J. MATTHEY, « Nu au chat », huile sur toile, France, Art Déco, circa 1935

Superbe huile sur toile "Nu au chat" de Gill-Julien Matthey (1889-1956). Circa 1935-1940, période Art déco, France. Cadre en bois imitation bambou. Signé en bas à gauche. Dimensions : sans cadre : 80x60cm ; avec cadre : 86x65cm. Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Gill-Julien MATTHEY
"Nude with Cat", Oil on Canvas by G. J. Matthey, France, Art Deco, circa 1935 Superb oil on canvas "Nude with Cat" by Gill-Julien Matthey (1889-1956). Circa 1935-1940, Art deco period, France. Wood frame imitating bamboo. Signed bottom left. Dimensions: without frame : 80x60cm frame: 86x65cm. For more informations : : Gill-Julien MATTHEY

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G. CAPONE, « Nu au bord de la mer », Huile sur toile, 1938, Art Déco

Huile sur toile (jute) de l'artiste G. Capone, datée 1938. Belle peinture néoclassique typique de la période Art-Déco. Cadre moderne. Dimensions hors cadre : 116 x 90cm ; Cadre : 108 x 135cm.
Oil on canvas (jute) by the artist G. Capone, dated 1938. Beautiful neoclassical painting typical of the Art-Deco period. Modern frame. Dimensions out of frame: 116 x 90cm; Frame: 108 x 135cm.

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François MARTIN-KAVEL, baigneuse à l’ombrelle

16500,00€

François Martin-Kavel (1861-1931) Baigneuse à l'ombrelle Huile sur toile Signée : Martin-Kavel Années 20 Dimensions : H : 81.5 cm ; L : 65.5 cm Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur son nom : François Martin-Kavel
Batherwith sunshade by François Martin-Kavel (1861-1931) Oil on canvas Signed : Martin-Kavel 1920s Dimensions : H : 32.09 in ; W : 25.79 in H : 81.5 cm ; W : 65.5 cm For more information : François Martin-Kavel

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François MARTIN-KAVEL, « Lady Astor », huile sur toile, circa 1910

30000,00€

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François MARTIN-KAVEL (1861-1931) Lady Astor Huile sur toile Signée : Martin-Kavel en bas à gauche, inscrit "B. Sirven Toulouse" et "Lady Astor" au revers. Années 1910 La mondaine d'origine américaine, Nancy Astor, est la première femme de l'histoire britannique à siéger au Parlement. Ses échanges avec Churchill, un misogyne notoire, sont célèbres ! Condition : Encadré. Huile sur toile, non doublée, dans une lumière rasante deux petites indentations à la naissance de ses cheveux. Deux petites taches au centre du revers et au bord supérieur central du revers de la toile. L'examen sous UV : révèle des retouches associées aux taches susmentionnées. Petit trou visible au revers (voir photos). Bon état général. Dimensions : H : 71 cm ; L : 55 cm Pour plus d’informations sur le créateur, cliquer sur son nom : François Martin-Kavel
Lady Astor by François Martin-Kavel (1861-1931) Oil on canvas Signed : Martin-Kavel lower left, inscribed "B. Sirven Toulouse" and "Lady Astor" on the reverse. 1910s American-born English socialite Nancy Astor was the first female MP in British history to take a seat in parliament. Her exchanges with Churchill, well known misogynist, are famous! Condition: Framed. Oil on canvas, not lined, in a raking light two minor indentations to her hairline. Two small patches to the centre reverse and upper centre edge reverse of the canvas. Examined under UV: reveals associated retouching to the aforementioned patches. Small hole visible on the reverse (see photos). Overall good condition. Dimensions : H : 71 cm ; W : 55 cm For more information : François Martin-Kavel

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Enki BILAL (1951- …), sérigraphie rehaussée à la main

8500,00€
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Enki Bilal (né le 7 octobre 1951 à Belgrade) est un auteur de bande dessinée et réalisateur français d'origine bosniaque et tchèque. Il est connu pour ses œuvres de science-fiction, abordant des thèmes comme le temps et la mémoire. Ses récits reflètent souvent des changements majeurs tels que la chute du communisme, l'extrémisme religieux et le changement climatique. En 1987, il reçoit le Grand Prix du festival d'Angoulême. La mémoire, personnelle et collective, est un thème central dans son œuvre, notamment dans la série Le Sommeil du Monstre. Sérigraphie rehaussée à la main à l'aquarelle et au pastel représentant trois bustes de femmes.

Tirage limité à 32 exemplaires.

Signé en bas à droite.

Numéroté 11/32.

Dimensions H : 100 cm ; L : 70 cm (sans cadre) H : 125 cm ; L : 95 cm (avec cadre) Pour plus d'informations sur le créateur, cliquer sur le nom : Enki BILAL
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Enki Bilal (born October 7, 1951, in Belgrade) is a French comic book author and filmmaker of Bosnian and Czech origin. Known for his science fiction works, he explores themes of time and memory. His stories often reflect on major societal shifts, like the fall of communism, religious extremism, and climate change. In 1987, he received the Grand Prix at the Angoulême Comics Festival. Memory, both personal and collective, plays a central role in his work, particularly in series like Le Sommeil du Monstre. A screenprint enhanced by hand with watercolor and pastel, depicting three female busts.

Each copy is unique.

11th out of 32 copies.

Signed in the lower right.

Dimensions H: 100 cm; W: 70 cm/H: 39.4 in; W: 27.6 in (without frame) H: 125 cm; W: 95 cm/H: 49.2 in; W: 37.4 in (with frame) For more informations on the artist : Enki BILAL
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Camille ROCHE (1894–1948), « Jeune fille endormie », nu

5000,00€
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Fils d'Odilon Roche, artiste et marchand d'art, Camille Roche (1894–1948) montre dès son enfance un talent remarquable pour la peinture. À 11 ans, il expose déjà au Salon d'Automne. Après des voyages en Italie et en Tunisie, il se fait connaître par ses décors pour Colette et Coco Chanel.

Après la guerre, il collabore avec la Manufacture de Sèvres et rejoint son frère Serge Roche, décorateur de renom, pour réaliser des œuvres prestigieuses, notamment pour Lord et Lady Cholmondeley. Camille Roche est également reconnu pour ses dessins de nus, de paysages et d'animaux, et participe régulièrement aux principaux salons artistiques de son époque.
Selon les archives familiales, Camille Roche épouse Andrée Vallée en 1916, qui figure sur la peinture. Il se remarie neuf ans plus tard, en 1925, avec la mère de ses futurs enfants. Cette peinture est une représentation d’Andrée Vallée réalisée aux alentours de 1920.

Provenance : ancienne collection Camille Roche, resté depuis dans la famille.

Huile sur toile.

Signée en bas à droite et contresignée au dos.

Dimensions H : 65 cm L : 99 cm _________________________________________________
The son of Odilon Roche, artist and art dealer, Camille Roche (1894–1948) demonstrated remarkable talent for painting from a young age. At 11, he was already exhibiting at the Salon d'Automne. After traveling to Italy and Tunisia, he became known for his decorations for Colette and Coco Chanel.

After the war, he collaborated with the Manufacture of Sèvres and worked alongside his brother Serge Roche, a renowned decorator, to create prestigious works, including for Lord and Lady Cholmondeley. Camille Roche was also recognized for his drawings of nudes, landscapes, and animals, and regularly participated in the major art salons of his time.
According to family records, Camille Roche married Andrée Vallée in 1916, who appears in the painting. He remarried nine years later, in 1925, to the mother of his future children. This painting is a depiction of Andrée Vallée, created around 1920.

Provenance: collection of Camille Roche, kept within the family.

Oil on canvas.

Signed at the bottom right and countersigned on the reverse.

Dimensions H: 65 cm W: 99 cm/H: 25.59 in W: 38.98 in
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